Películas que debería ver un fotógrafo... Smoke

Director: Wayne Wang
Fotografía: Adam Holender

Sipnosis

En torno a un estanco se desenvuelven las historias de un puñado de personajes solitarios cuyas vidas parecen marcadas por el azar: el escritor Paul Benjamin, que trata de recomponer su vida tras la muerte de su esposa por culpa de una bala perdida en un atraco y de cómo consiguió su cámara fotográfica y de por qué se decidió a elaborar su singular colección de fotografías; el joven Rashid Cole, un adolescente negro bastante desorientado que trata de encontrar a su padre, que le abandonó cuando sólo era un niño; Cyrus Cole, que vive la amputación de su brazo izquierdo como un castigo divino; o el dependiente Auggie Wren, que guarda en su pasado algunos secretos de los que no está del todo orgulloso.

La película tuvo una continuación titulada Blue in the Face, siguiendo a parte de los personajes de la primera e introduciendo algunos nuevos.

Premios

1995: Festival de Berlín: Oso de Plata - Premio Especial del Jurado, 2 nominaciones a Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Harvey Keitel), Chlotrudis Awards: Nominado Mejor Actor (Harvey Keitel) y Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera

Más información

Trailer de Smoke
Premios y nominaciones
Criticas

Imágenes

Histografía... Sarah Moon

Creativa

Sara Moon. Now and then

En 1979, dejó los trabajos puramente comerciales y comenzó a realizar obras más introspectivas y puramente artísticas, aunque siempre dotadas de una profunda belleza y elegancia. Degrada sus fotos para expresar la descomposición causada por el tiempo. Desde su estudio de París, la fotógrafa radicalizó progresivamente su apuesta artística: adoptó el blanco y negro y la película Polaroid como medio expresivo y comenzó a experimentar en la imaginación infantil, el ensueño y el surrealismo, al tiempo que degradaba sus fotos para expresar el paso inexorable del tiempo y la descomposición. Los desenfoques y largos tiempos de exposición son otra constante en su trabajo.

Aunque sus primeras fotos están influenciadas por Guy Bourdin, el tono de Moon ha girado hacia la estética del expresionismo alemán, el cine de los años treinta y el trabajo de artistas plásticos como Delacroix. En la temática de sus obras hay referencias constantes a la memoria, la muerte, la infancia, la feminidad y la soledad.

Moon se casó con el visionario editor y comisario de exposiciones francés Robert Delpire y desde 1985 se ha concentrado en su galería y sus exposiciones. También ha experimentado con el cine, rodando varios cortos y documentales, incluso se ha atrevido con un video pop de Aicha por Khaled, llegando a ganar el Infinity Award del International Center of Photography en 1985.

Enlaces de interes

Polaroid Sarah Moon

Enfocando a... (Ligero desenfoque)

Enfocando a... Nick Kight

Susie fumando. Impresión de tipo C (1988)

Susie fumando. Nick Kight. 1988

A juzgar por el humo que se eleva, la modelo debió de mantener esa incómoda pose durante unos cuantos minutos. Esta espectacular fotografía, una de las más conocidas de Nick, muestra a la modelo Susie Bick y un diseño de Yohji Yamamoto. En 1995 la revista “The face” consideró a Nick como el “fotógrafo de moda más influyente del mundo”. El estilo que le hizo merecedor de este juicio es en general dramático y supone sombras intensas y el espacio sublime que esta implícito es en este fondo. Su primero libro fue “Skinheads”, realizado en 1982 mientras era aún un estudiante, y trata sobre los extremos de la moda autóctona. A comienzos de 1990 era editor de colaboraciones fotográficas de la revista “i-D”, y en 1994 Schimer Mosel publicó una retrospectiva de sus doce años como fotógrafo. Ha estado contratado por la edición estadounidense de la revista “Vogue” y ha trabajado para una amplia gama de revistas internacionales, destacando “Vanity Fair”, “The Face”, “Arena” e “Interview”.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque

Douglas Kirkland

Southworth y Hawes

Dorothy Wilding

Franco Zecchin

Más información

Página Web de Nick Knight
Wikipedia (ingles)
Más imégenes

Películas que debería ver un fotógrafo... Under Fire

Roger Spottiswoode

“Bajo el fuego” es una película de 1983, trata sobre los últimos días del régimen de Somoza en Nicaragua durante el año 1979. La historia es ficticia, pero está inspirada en hechos reales. Fue rodada en la ciudad mexicana de Chiapa de Corzo, Chiapas (Cañon del Sumidero) y Oaxaca.

Sipnosis

El famoso fotógrafo Russel Price (Nick Nolte) se encuentra en la Nicaragua de 1979 para realizar un reportaje sobre la guerra civil contra el presidente Somoza. Le cuesta informar con neutralidad a la vista de la crueldad de la lucha de la población civil contra el ejército. Cuando la guerrilla le encarga una fotografía de uno de sus líderes, del cual se dice que está muerto, Price se ve involucrado en los acontecimientos. Tiene que ocultarse para que no le encuentre el ejército.

Premios

• La película estuvo nominada al Oscar a la mejor música, gracias al trabajo de Jerry Goldsmith , que contó conocido guitarrista de jazz Pat Metheny. También fueron nominados Mark Conte y John Bloom al premio BAFTA a la Mejor Edición.
• Director de fotografía: John Alcott

Más información:

Trailer
Wikipedia (ingles)

Imagenes

Gene Hackman

Escena de la película

Nick Nolte

Ed Harris

Escena de la Película

Escena de la Película

Histografía: Sarah Moon

Comienzos en Cacharel

Sara Moon. Anuncio Cacharel

En 1968, Jean Bousquet conoce a Sarah Moon, una joven fotógrafa desconocida en aquella época. Es el comienzo de una feliz colaboración, enriquecida por la llegada del publicista Robert Delpire. Todos ellos, dan origen al universo Cacharel: un universo romántico, inmortalizado para siempre por imágenes inolvidables, cautivadoras, soñadoras y poéticas.

Después de trabajar durante mucho tiempo con Cacharel, su reputación creció y también recibió encargos de Chanel, Dior, Comme des Garçons… llegando a convertirse en una gran fotógrafa de moda. Trabajó para las publicaciones Vogue, Elle, Harper’s Bazaar, Marie Claire… y destacó por la creación de escenografías y la complicidad que lograba con las modelos.

Más información

Más imágenes de Cacharel
Video Sarah Moon

Películas que debería ver un fotógrafo... Sarah Moon

Hoy os dejo un documental donde Sarah Moon cuanta de propia mano su obra

Espero que os guste :)

Histografía: Sarah Moon

Inicios

Marielle Hadengue, más tarde conocida como Sarah Moon, nació en 1941, en Vichy. Su familia era judía, se vieron obligados a abandonar Francia por la invasión nazi y se fueron a Inglaterra. En su adolescencia estudió dibujo para más tarde trabajar como modelo en Londres y París, de 1960 a 1966. Además de trabajar como modelo, se interesó por la fotografía, le gustaba tomar fotos de sus colegas modelos y retratar el proceso interior de los desfiles como simple distracción de aficionada, pero sus fotos, estilizadas y de gran poder de sugestión, pronto llamaron la atención de los editores.

En 1970, finalmente se decidió a dedicar todo su tiempo a la fotografía, adoptó el nombre de Sarah Moon. Ella capturó con éxito la atmósfera de moda de Londres después de los "años 60", en estrecha colaboración con Barbara Hulanicki, que había puesto en marcha la conocida tienda de ropa Biba.

En 1972, trabajó para el calendario Pirelli, convirtiéndose en la primera mujer en hacerlo.

1972 Pirelli calendar by Sarah Moon

Más imágenes del calendario

Más información

Wikipedia
Más imágenes Sarah Moon

Enfocando a... Lewis Carroll

Mary Millais. Albuminotipio (1860)

Mary Millais era hija del pintor John Everett Millais y de Effie Gray, exesposa de John Ruskin. El retrato esta firmado por la propia Mary. Lewis Carrol, que escribió Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y Alicia detrás del espejo, fue un clérigo y matemático que impartía clases en en la Christ Church de Oxford. Hizo esta fotografía en 1855, y tomó muchas más fotos de niños, pero sobre todo de niñas y normalmente los retrataba en sus aposentos o en los jardines de sus amigos. En muchos casos los modelos eran fotografiados en poses especiales, desnudos o en traje de época. 

Helmut Gernsheim, el célebre historiador de fotografía y primero en publicar estas imágenes, prefería las primeras fotografías de Carroll, las que tomó en la década de 1860, como la que estamos tratando. 

Los niños ocupaban un lugar muy importante en el arte de pintores prerrafaelistas, como es el propio Millais, a menudo sugiriendo las duras y trágicas pruebas que se les avecinaban: enfermedades y tormentos de amor. De hay que el propio Carroll hiciera este tipo de fotografías. Estaba muy influenciado por su gran amigo Millais.

Lewis Carroll también tomó fotografías de personajes famosos, como la actriz Ellen Terry y el poeta Afred Lord Tennyson.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Manuel Álvarez Bravo

Hugo Erfurth

Mary Ellen Mark

Jules Seeberger

Frederick Sommer

Más información:

Biografía

Más fotografías

Histografía: Helmut Newton

Celebrities

Linda Evangelista. Helmut Newton.

A partir de la década de los 60 el fotógrafo alemán se uniría al gran modisto Yves Saint Laurant, al que le haría más grande de lo realmente es. Esta unión se mantuvo durante años.

Pese a que se acuse a Helmut Newton de pornografía básica y barata, él sabía cómo sacar el lado más sensual de cada centímetro. Tiene numerosas obras de detalles entre los que abundan las piernas, al igual que su maestra Yva. Y todas las famosas deseaban su cámara. Realizó retratos a personajes de la talla de: Andy Warhol, Salvador Dalí, Marlene Dietrich, Linda Evangelista, Catherine Deneuve, Mick Jagger, Twiggy, Sigourney Weaver, …

En 1975 presentó su primera exposición personal en la galería Nikon en París. Y al año siguiente fue considerado el mejor fotógrafo los directores artísticos Club de Tokio, Japón. En 1977 publicó Femmes Blanches, su primer álbum de fotos, que le fue otorgado por el Instituto americano de artes gráficas. Dos años más tarde fue el turno de los directores artísticos del Club de Berlín que consagraron a Newton como mejor fotógrafo del año.

En los años 80 se trasladó a Monte Carlo en Mónaco, dividiendo su vida entre el Principado y el Reino Unido. Francia honró doblemente Helmut Newton en el año 1989, nombrándolo caballero de las Artes y las letras y entregándole el gran premio de la ciudad de París. El año siguiente todavía en Francia, recibió el Gran Premio Nacional de fotografía.

Enlaces de interes
Helmut Newton
Documental
Más fotografías de celebridades

Enfocando a... Sarah Moon

Morgana. Gelatinobromuro (1985)

Morgana. Sarah Moon. 1985

Morgana era una hechicera y, según la leyenda, era hermana del Rey Arturo a quien hizo desaparecer después de la fatídica batalla de Camelot. En esta fotografía, Sara Moon la representa como una criatura sumida en un breve sueño sobre un telón de fondo en una calle descuidada. Mantiene su papel imaginario en un escenario perfectamente cotidiano.

Esta fotografía pertenece al libro “Red Riding Hood” (Caperucita Roja) de Sara Moon.

En la introducción al catalogo “Vrais Semblants”, de 1991, Sarah describe su difícil estrategia: partir de la nada e inventar una historia que no se explica o imaginar una situación que no existe. Moon se pregunta a menudo si se puede hechizar al mundo, aunque sólo sea por un momento. En la introducción a su libro “unlikeness”, 1991, señala las dificultades que entraña hacer fotografías de

“privilegio, ilusión, evanescencia, desemejanza y belleza; después busco la emoción, una búsqueda con menos esperanzas si cabe.”

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Vittorio Alinari
Teun Hocks
Richard Misrach
Martin Parr
Arthur Tress

Más información:
http://www.20minutos.es/noticia/1462487/0/sarah-moon/fotografa-alquimista/exposicion-nueva-york/

Enfocando a... John Vink

Vagabundo. Gelatinobromuro (1986)

Vagabundo. 1986. Vink

El personaje es Gypsie, un vagabundo de 36 años cuyos viajes documentó Vink en 1986. En esta imagen estaba camino de Spokane (Washington) a Denver (Colorado), un viaje que normalmente duraba entre tres y cinco días. Al ver la imagen, nos da la impresión de que Vink se ha limitado a pedir a su compañero de viaje que se ponga de pie junto a la puerta y mire hacia el paisaje que pasa ante él, precisamente la composición que cabía esperar de dos viajeros provistos de una cámara. En general, el reportaje de Vink se esfuerza por presentar al fotógrafo como un testigo creíble de hechos que no figuran en el escenario del mundo. Su propuesta es que incluso en un tren lento con destino a Spokane la vida sigue y presta atención a las necesidades corrientes. 

En los decenios de 1950 y 1960 los fotógrafos tomaron también caminos secundarios de este tipo, pero entonces les gustaba imaginar que estaban en peligro. Vino rechaza esas autoescenificaciones melodramáticas y presenta a Gypsie como un experto viajero en lugar de un problema social.

¿Quien es Vink?

John Vink es un fotógrafo belga que estudió fotografía en la escuela de las bellas artes de La Cambre en Bruselas, en 1968, convirtiéndose en periodista independiente desde 1971.

A mediados de los años ochenta, Vink obtuvo la atención del público cuando le concedieron el prestigioso premio W. Eugene Smith Grant en fotografía humanitaria por Water en Sahel, un proyecto documental de dos años sobre la gestión del agua en las poblaciones migratorias y sedentarias de Níger, Mali, Burkina-Faso y Senegal.

En 1986, se unió a la agencia Vu en París y de 1987 a 1993 trabajó en Refugees in the World, una extensa documentación sobre la vida en los campos de refugiados de la India, México, Tailandia, Paquistán, Hungría, Iraq, Malawi, Bangladesh, Turquía, Sudán, Croacia, Honduras y Angola. La serie fue publicada en libro y se convirtió en el tema de una exposición en el Centre National de la Photographie en París.

En 1993 Vink fue nominado para entrar en la agencia Magnum Photos y en 1997 se convirtió en miembro a pleno derecho. De 1993 a 2000 trabajó en Peuples d'en Haut, una crónica de la vida de comunidad en las regiones montañosas de Guatemala, Laos y el Cáucaso georgiano.

Desde el 2000 está trabajando en Camboya documentando los problemas sociales , los problemas de la tierra así como los juicios a los Khmer Rojos, de esta manera esta centrado en un lugar fijo en vez de estar continuamente viajando además de ir abandonando poco a poco el mundo de la fotografía.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Levy & Sons

O. Winston Link

Más información:

Página Oficial

Magnum Photos

Histografía: Helmut Newton

Inicios

Helmut Newton comenzó en la fotografía siendo un niño, por entonces Helmut Neustädter. A sus 12 años compró su primera cámara gracias a sus ahorros. Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertirían en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprendería el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro.

La obra de Yva, conocida como Else Ernestien Neuländer-Simon, es fundamental para entender el rumbo que toma el hijo de un fabricante de botones que no entendía la visión artística de su hijo, intentando mediante su educación en el colegio estadounidense de Berlín que este viese que lo más saludable sería continuar su negocio de botones, el cual perdió debido a los nazis.

Yva fue una avanzada para su época, hija de un modista y comerciante, tuvo un estudio fotográfico propio a los 25 años (1925). Ni siquiera el matrimonio con Alfred Simon logró que su origen judío le causase la muerte años más tarde. En 1938 tuvo que cerrar definitivamente su estudio para convertirse en técnica en radiología. En ese mismo año Helmut Newton cogió sus dos cámaras y partió a Singapur para huir de los nazis. Sus padres lo habían hecho poco antes hacia Suramérica.

En 1948 Helmut Newton seguía dando tumbos. Tras su paso poco exitoso por el periódico de Singapur, en el cual solo estuvo dos meses antes de que le despidiesen, llegó a Australia donde tras un tiempo en un campo de internamiento por su nacionalidad, pasó a las filas del ejército australiano. En 1945 Helmut Neustädter pasó a llamarse como lo conocemos hoy en día: Helmut Newton. Tres años más tarde se casó con la actriz June Brunell, que sería más conocida como la fotógrafa Alice Springs.

En 1946, Newton establece su propio estudio en Melbourne. A partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana. Pese a que la oportunidad de firmar un contrato con dicha cabecera de Vogue y volar para Londres con un contrato de 12 meses era un sueño, al mes ya está en París donde sigue trabajando con revistas francesas y alemanas.

Sus trabajos también fueron publicados en las revistas Marie Claire o American Playboy

Más información:

Fundación Helmut Newton

Biografía de Vogue

Enfocando a... Lucas Samaras

Lucas Samaras es un artista griego, nació en Kastoriá, Grecia. Estudió en la Rutgers University. Antes de comenzar a realizar fotografías Samaras realizó obras como pintor, escultor, y artes escénicos.

Sesiones. Polaroid (1979)

Sesiones. Lucas Samaras

El modelo parece que se ha preparado para posar en una sesión de fotos. El telón de fondo decorado con cerezas parece pertenecer a una cocina, al igual que la silla. A la izquierda está el fotógrafo, participando e incluso compitiendo con el modelo, que podría haberse movido a un lado para estar presente en la representación.

Samaras se presenta en “Sesiones” como un aspirante a especialista que no tiene ni la paciencia ni el gusto para dominar el formato y que en cualquier caso deseaba hacer fotografías de sí mismo ejerciendo de director. ¿Samaras anhelaba la venganza? ¿Quería obtener lo mejor de todos esos modos perfectos de los que dependía la cultura para tener una buena opinión de sí misma? Lo cierto es que se permite todas las libertades y usa todas las artimañas estridentes de iluminación y escenificación desaprobadas en los manuales, e incluso confiesa un nivel de narcisismo que en circunstancias normales se consideraría inaceptable.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Marie Cosindas

Jean-Louis-Marie-Eugène Durieu

Cristina García Rodero

Barón Wilhelm Von Gloeden

Más información:

http://www.pacegallery.com/artists/414/lucas-samaras

Más imagenes

Histografía: Ansel Adams

Conservador.

1958. Aspens, New Mexico.

Adams se describió a sí mismo como un fotógrafo, profesor y escritor. Tal vez sería más exacto decir que él era simplemente un comunicador. Adams viajó sin cesar por todo Estados Unidos buscando la belleza natural. Sintió un intenso compromiso con la fotografía como un arte y jugó un papel clave en el establecimiento del primer departamento del museo de la fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Trabajó en el museo y fomentó las relaciones con Beaumont, administrador e historiador del museo y Nancy Newhall, escritora y diseñadora. Su sociedad fue sin duda la colaboración más fuerte en la fotografía del siglo XX. En los años 1950 y 1960 Nancy Newhall y Adams crearon una serie de libros y exposiciones de importancia histórica, en particular “the Sierra Club’s: This is the American Earth” en 1960, que, con el clásico “Silent Spring” de Rachel Carson, jugaron un papel fundamental en el primero movimiento ecologista.

Adams era un activista incansable de la vida salvaje y el medio ambiente. Durante años asistió innumerables reuniones y escribió miles de cartas en apoyo de esta filosofía de conservación para los editores de periódicos, los burócratas y los políticos. Sin embargo, su gran influencia vino de su fotografía. Sus imágenes se convirtieron en símbolos, los iconos verdaderos de la América salvaje. Cuando la gente pensaba en los parques nacionales de Sierra Club o la naturaleza a menudo se referían a una fotografía de Ansel Adams. Sus imágenes en blanco y negro no eran documentos "realistas" de la naturaleza. Buscaban una intensificación y la purificación de la experiencia psicológica de la belleza natural. Él creó un sentido de la grandeza sublime de la naturaleza que infunde al espectador el equivalente emocional de la vida salvaje, siendo más poderosa que la vida real. Se centró en lo que él denominó “aspectos espirituales y emocionales” de los parques y en la vida salvaje resistiéndose a que los parques se convirtieran en cotos privados. Luchó para que Alaska se mantuviera en estado salvaje, por las secoyas, por los leones marinos y nutrias marinas en peligro de extinción, por y para que el aire y el agua se mantuvieran limpios… Era un defensor del uso equilibrado y moderado de los recursos, también luchó sin descanso contra carreteras, vallas publicitarias y todo tipo de cambios que perjudicaran al medio ambiente. Sin embargo, él siempre trataba a sus oponentes con respeto y cortesía.

Adams fue a menudo criticado por no incluir a seres humanos o evidencia de la "humanidad "en sus fotografías. El gran fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson hizo el comentario:

"el mundo se está cayendo a pedazos y toda fotografía Adams y Weston es rocas y los árboles”

pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

Más información:

Biografia

Documental parte 1

Documental parte 2

Enfocando a... Marie Cosindas

Marineros, Key West. Polaroid (1966)

Marineros, Key West

Marie Cosindas conoció a los marineros por casualidad en Key West. En el contexto de la alfombra raída y de la naturaleza muerta de las flores, parecen actores de una obra dramática de antes de la 2ª Guerra Mundial. Los contemporáneos masculinos de Marie en la década de 1960 eran especialistas en el paisaje social, con un escenario duro y de respuesta deficiente. A ella en cambio, le gustaba imaginar el mundo hecho de nuevo con ternura y bellos colores y muebles. Marie era pintora y estudiante de diseño en sus orígenes, en 1961 se trasladó de Boston a California para estudiar fotografía con Ansel Adams. En 1962 la compañía Polaroid le pidió que probase Polacolor, una película de color que estaba a punto de lanzarse. El nuevo medio le venía bien, y se convirtió en una experta depuse de experimentar con diversos filtros y diversos tiempos de exposición. Sus primeras fotografías de flores, retratos a diseñadores de moda y los dandys del momento fueron publicadas en 1978 en “Color Photographs”, con la introducción escrita por Tom Wolfe, uno de sus modelos.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Ansel Adams

Alfred Eisenstaedt

Hill y Adamson

Lucas Samaras

Más información:

Wikipedia

Películas que debería ver un fotógrafo... Strand-Under the Dark Cloth

John Walker (1989)

Documental sobre uno de los mejores fotógrafos del siglo 20: Paul Strand. Paul sigue siendo una figura curiosa. Él era más feliz en la soledad del cuarto oscuro, con sus negativos y copias.

Strand-Under the Dark Cloth, es un documental que está "maravillosamente hecho gracias a una profunda investigación” (revista Variety). Esta realizado a modo de relato intimo, con las fotografías más famosas de Strand, clips de sus películas y entrevistas fascinantes con amigos y colaboradores, incluyendo Fred Zinnemann, Cesare Zavattini y Georgia O'Keeffe. Podría considerarse un valioso documento de la vida y obra de Paul Strand, adecuado tanto para los historiadores del arte como para los espectadores en general.

Más información:

Documental

Imágenes del documental:

Histografía: Ansel Adams

Epoca comercial

Colorama Kodak. Ansel Adams

El gran reconocimiento que consiguió Ansel Adams, no alivió sus presiones financieras. En una carta, de fecha 6 de agosto de 1935, le escribió a Weston: "He estado muy ocupado, y estoy muy cansado, pero a pesar de ello, no parece que puede tener una vida acomodada”. Adams se vio obligado a pasar gran parte de su tiempo como fotógrafo comercial. Sus clientes cubrían toda la demanda comercial, desde el concesionario de Yosemite, el Servicio de Parques Nacionales, una empresa de frutos secos, … hasta grandes marcas como Kodak, Zeiss, IBM y AT & T. Realizaba todo tipo de trabajos desde retratos a catálogos, como los Coloramas de Kodak. El 2 de julio de 1938 escribió a su amigo David McAlpin, 

"tengo que hacer algo en un futuro relativamente cercano para recuperar el buen camino en la fotografía. Estoy literalmente inundado con el trabajo “comercial”. Es necesario por razones prácticas, pero estoy muy limitado en lo que respecta a mi trabajo creativo”. 

Aunque Adams se convirtió en un especializado fotógrafo comercial, el trabajo era intermitente, y él estaba constantemente preocupado por pagar las cuentas del mes. Su situación financiera siguió siendo precaria y sufrió de estrés hasta el final de su vida. Fue su gran carga.

Su dominio técnico fue parte de su leyenda. Más que cualquier fotógrafo creativo, se deleitaba en la teoría y la práctica del medio. Weston y Strand le consultaban con frecuencia para el asesoramiento técnico, esta le llevó a desempeñar el trabajo como consultor fotográfico de Polaroid y Hasselblad. Adams desarrolló el famoso "sistema de zonas" que sirve para controlar y relacionar la exposición y el revelado. Permite a los fotógrafos visualizar creativamente una imagen y producir una fotografía que refleje la realidad. Adams escribió diez volúmenes de manuales técnicos sobre fotografía, convirtiéndose en los libros más influyentes que se han escrito sobre este tema.

La energía y la capacidad para el trabajo de Adams eran simplemente colosal. A menudo trabajaba durante dieciocho o más horas al día, durante días y semanas. No tuvo vacaciones, y los domingos no existían para Ansel Adams. Con frecuencia, y después de un intenso período de trabajo, regresaba a San Francisco o Yosemite, para ver a la familia y amigos, ya que era un torbellino constante de la actividad social, amigos, y colegas. Esta vitalidad también se fue un poco reflejo del alcohol, por el que sentía un cariño especial. Como Beaumont Newhall escribe en “ENFOQUE: Memorias de una vida en Fotografía” (1993): 

Ansel fue un gran hombre juerguista y le encantaba entretener. Tenía una personalidad muy dominante, y siempre era el centro de atención.

Enlaces de interes

http://es.wikipedia.org/wiki/Ansel_Adams

http://www.anseladams.com

Sistema de zonas (pág 35)

Enfocando a... Joel Meyerowitz

Joel Meyerowitz es un fotógrafo urbano, especialista en paisajes y retratos. Empezó fotografiando en color en 1962 y fue uno de los primeros en utilizar el color en la fotografía como una forma de arte serio, algo que en aquella época no estaba bien reconocido. Fue miembro de la Cooper Union a principio de los años 70, convirtiéndose en una figura importante para muchos fotógrafos en color actuales.

12ª avenida entre las calles 34 y 35. Impresión de tipo C (1978)

12ª avenida entre las calles 34 y 35. Joel Meyerowitz (1978)

Meyerowitz decía de esta fotografía que el Empire State Building le seguía sorprendiendo, y también constituía un punto de partida desde el que podía ver “los contrapuntos entre estilos arquitectónicos”: la terminal y el almacén, el establecimiento de comidas y la casa de piedra rojiza. Sin embargo, es el edificio antiguo el que capta la luz y establece el tipo de revelación que Meyerowitz buscaba en los 70. En 1978, fecha en la que se tomó esta fotografía, los aspectos trivales de la calle se habían convertido en un desafío en la fotografía, y la respuesta de Joel fue crear un arte en torno a una divergencia: monotonía y luz. Cuanto mayor divergencia, más eficaz era la fotografía, y en este establecimiento pintado de azul encontró un arquetipo de la falta de pretensiones, un refugio elemental que contrastaba con ese momento de vivo colorido en la luz azul de la mañana.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
William Christenberry
Robert Longo
Wright Morris
Norman Parkinson

Más información:
Bio
Web Meyerowitz
Joel Meyerowitz - 'What you put in the frame determines the photograph' (Video)

Películas que debería ver un fotógrafo... Proof

Sipnosis: Martin toma fotografías guiado por las percepciones y descripciones de los otros. Martin es ciego y, con esta rara práctica para un invidente, él prueba que el mundo es realmente cómo los otros se lo describen. A pesar de su carácter prepotente y autosuficiente, Martin necesita de los cuidados de Celia, una atractiva mujer que lo ama desde hace tiempo y con quien mantiene una sádica relación. La llegada de Andy, un fornido y solitario lavador de platos de un restaurante a la vida de Martín, hace que estos personajes se involucren en un triángulo de relaciones en el que alternadamente se abusan y aman entre sí…

En España salió con el titulo de “La prueba”, el director es Jocelyn Moorhouse, la fotografía esta dirigida por Martin McGrath y los protagonistas son Hugo Weaving, Genevieve Picot, Russell Crowe, Heather Mitchell, Jeffrey Walker, Daniel Pollock, alguno de ellos son actores con renombre en la actualidad. En 1991 recibió varios premios:

• Festival de Cannes: Mención especial - Cámara de Oro 
• Festival de Tokyo: Bronze Award 
• Festival de Chicago: Mejor ópera prima 
• Festival de Valladolid - Seminci: Mejor nuevo director

Más información:
Trailer

Imagenes:

Enfocando a... Jaromír Funke

Sin título. Gelatinobromuro (1927) 

Jaromír Funke. 1927

De las tres imágenes proyectadas, la más distante tiene preferencia porque sobre ella se ha superpuesto la figura central, que a su vez es cortada por el motivo triangular del primer término. Aunque pueda ser incorrecto pensar en prioridades respecto a la luminosidad que se superpone, hay una especie de progresión desde la botella claramente trazada en el fondo hasta la esquemática sombra más cercana, como si la imagen avanzase hacia la abstracción. Las botellas también sugieren humanidad, o tal vez quieran representar un hombre con un sombrero.

Funke, tanto en esta como en todas las fotografías realizadas en la década de 1920, somete al espectador a una prueba de percepción, como si practicase un juego. Sus fotografías piden ser entendidas paso a paso, como si quisiera que su publico comprendiese exactamente qué estaba implícito en la nueva visión de aquella época.

¿Quien es Jaromír Funke?

Jaromír Funke fue un fotógrafo checo vanguardista que participó en los movimientos constructivista y surrealista. Utilizó fotogramas y abstracciones, bajo la influencia de la nueva visión. Está considerado como uno de los principales representantes de la vanguardia checa en los años 1930.

Abandonó sus estudios de medicina para centrarse en la fotografía y tras realizar un reportaje sobre Kolín, conoció a Josef Sudek con el que fundó en 1924 la Sociedad Checa de Fotografía, además de Adolf Schneeberger. En 1931 realizó su primera exposición en Praga con una serie fotográfica titulada Reflexes, a la que pertenece la imagen comentada.

Fue un miembro activo en el grupo Sociofoto que se implicaba en la denuncia de la situación de los pobres y entre 1944 y 1945 estuvo colaborando con la cooperativa DORKA de Praga. Entre 1940 y 1944 estuvo trabajando en una serie fotográfica titulada "Ciclo de la tierra insatisfecha" como reacción a la Segunda Guerra Mundial. Murió en Praga, el 22 de marzo de 1945 al tener que ser operado de urgencia y no existir los medios adecuados a causa de la guerra.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Frantisek Drtikol
László Moholy-Nagy

Más información:
Imagenes de Funke
Biografia