Enfocando a... Olivia Parker

Vainas de la suerte. Copia de contacto de plata virada al selenio. (1977)

“Una hilera de vainas de guisantes, parecidas en estructura pero vivas en variación, me fascina. Una hilera de flores de plástico idénticas en si estructura pero muertas en su conjunto tendría poco atractivo, a menos que hubieran sido masticadas por mi perro, variadas, alteradas por energía viva.”

Así presentaba Olivia Parker su libro “sings of life” en 1978. Las naturalezas muertas por las que es famosa, se hicieron con una cámara de cristal esmerilado, se politizaron por contacto en papel de cloruro de plata y viradas en selenio para que tuvieran el aspecto de imágenes antiguas, imágenes que hubieran sido objeto de las inclemencias del tiempo. La idea de esta artista sumamente filosófica es que deberían hacerse imágenes que representasen las transiciones de la realidad en un mundo compuesto “de equilibrios delicados y bordes afilados: pequeña variación dentro de una estructura frágil, membranas delicadas, temperatura exigua y tolerancia depresión”. Olivia estudió historia del arte en el Wellesley Collage de Massachusetts, donde se graduó en 1963.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque

Karl Blossfeldt

Jan Groover

Irving Penn

Emmanuel Sougez

Patrick Tosani

Más información

oliviaparker.com

Enfocando a... Nick Kight

Susie fumando. Impresión de tipo C (1988)

Susie fumando. Nick Kight. 1988

A juzgar por el humo que se eleva, la modelo debió de mantener esa incómoda pose durante unos cuantos minutos. Esta espectacular fotografía, una de las más conocidas de Nick, muestra a la modelo Susie Bick y un diseño de Yohji Yamamoto. En 1995 la revista “The face” consideró a Nick como el “fotógrafo de moda más influyente del mundo”. El estilo que le hizo merecedor de este juicio es en general dramático y supone sombras intensas y el espacio sublime que esta implícito es en este fondo. Su primero libro fue “Skinheads”, realizado en 1982 mientras era aún un estudiante, y trata sobre los extremos de la moda autóctona. A comienzos de 1990 era editor de colaboraciones fotográficas de la revista “i-D”, y en 1994 Schimer Mosel publicó una retrospectiva de sus doce años como fotógrafo. Ha estado contratado por la edición estadounidense de la revista “Vogue” y ha trabajado para una amplia gama de revistas internacionales, destacando “Vanity Fair”, “The Face”, “Arena” e “Interview”.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque

Douglas Kirkland

Southworth y Hawes

Dorothy Wilding

Franco Zecchin

Más información

Página Web de Nick Knight
Wikipedia (ingles)
Más imégenes

Enfocando a... Lewis Carroll

Mary Millais. Albuminotipio (1860)

Mary Millais era hija del pintor John Everett Millais y de Effie Gray, exesposa de John Ruskin. El retrato esta firmado por la propia Mary. Lewis Carrol, que escribió Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y Alicia detrás del espejo, fue un clérigo y matemático que impartía clases en en la Christ Church de Oxford. Hizo esta fotografía en 1855, y tomó muchas más fotos de niños, pero sobre todo de niñas y normalmente los retrataba en sus aposentos o en los jardines de sus amigos. En muchos casos los modelos eran fotografiados en poses especiales, desnudos o en traje de época. 

Helmut Gernsheim, el célebre historiador de fotografía y primero en publicar estas imágenes, prefería las primeras fotografías de Carroll, las que tomó en la década de 1860, como la que estamos tratando. 

Los niños ocupaban un lugar muy importante en el arte de pintores prerrafaelistas, como es el propio Millais, a menudo sugiriendo las duras y trágicas pruebas que se les avecinaban: enfermedades y tormentos de amor. De hay que el propio Carroll hiciera este tipo de fotografías. Estaba muy influenciado por su gran amigo Millais.

Lewis Carroll también tomó fotografías de personajes famosos, como la actriz Ellen Terry y el poeta Afred Lord Tennyson.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Manuel Álvarez Bravo

Hugo Erfurth

Mary Ellen Mark

Jules Seeberger

Frederick Sommer

Más información:

Biografía

Más fotografías

Enfocando a... Sarah Moon

Morgana. Gelatinobromuro (1985)

Morgana. Sarah Moon. 1985

Morgana era una hechicera y, según la leyenda, era hermana del Rey Arturo a quien hizo desaparecer después de la fatídica batalla de Camelot. En esta fotografía, Sara Moon la representa como una criatura sumida en un breve sueño sobre un telón de fondo en una calle descuidada. Mantiene su papel imaginario en un escenario perfectamente cotidiano.

Esta fotografía pertenece al libro “Red Riding Hood” (Caperucita Roja) de Sara Moon.

En la introducción al catalogo “Vrais Semblants”, de 1991, Sarah describe su difícil estrategia: partir de la nada e inventar una historia que no se explica o imaginar una situación que no existe. Moon se pregunta a menudo si se puede hechizar al mundo, aunque sólo sea por un momento. En la introducción a su libro “unlikeness”, 1991, señala las dificultades que entraña hacer fotografías de

“privilegio, ilusión, evanescencia, desemejanza y belleza; después busco la emoción, una búsqueda con menos esperanzas si cabe.”

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Vittorio Alinari
Teun Hocks
Richard Misrach
Martin Parr
Arthur Tress

Más información:
http://www.20minutos.es/noticia/1462487/0/sarah-moon/fotografa-alquimista/exposicion-nueva-york/

Enfocando a... John Vink

Vagabundo. Gelatinobromuro (1986)

Vagabundo. 1986. Vink

El personaje es Gypsie, un vagabundo de 36 años cuyos viajes documentó Vink en 1986. En esta imagen estaba camino de Spokane (Washington) a Denver (Colorado), un viaje que normalmente duraba entre tres y cinco días. Al ver la imagen, nos da la impresión de que Vink se ha limitado a pedir a su compañero de viaje que se ponga de pie junto a la puerta y mire hacia el paisaje que pasa ante él, precisamente la composición que cabía esperar de dos viajeros provistos de una cámara. En general, el reportaje de Vink se esfuerza por presentar al fotógrafo como un testigo creíble de hechos que no figuran en el escenario del mundo. Su propuesta es que incluso en un tren lento con destino a Spokane la vida sigue y presta atención a las necesidades corrientes. 

En los decenios de 1950 y 1960 los fotógrafos tomaron también caminos secundarios de este tipo, pero entonces les gustaba imaginar que estaban en peligro. Vino rechaza esas autoescenificaciones melodramáticas y presenta a Gypsie como un experto viajero en lugar de un problema social.

¿Quien es Vink?

John Vink es un fotógrafo belga que estudió fotografía en la escuela de las bellas artes de La Cambre en Bruselas, en 1968, convirtiéndose en periodista independiente desde 1971.

A mediados de los años ochenta, Vink obtuvo la atención del público cuando le concedieron el prestigioso premio W. Eugene Smith Grant en fotografía humanitaria por Water en Sahel, un proyecto documental de dos años sobre la gestión del agua en las poblaciones migratorias y sedentarias de Níger, Mali, Burkina-Faso y Senegal.

En 1986, se unió a la agencia Vu en París y de 1987 a 1993 trabajó en Refugees in the World, una extensa documentación sobre la vida en los campos de refugiados de la India, México, Tailandia, Paquistán, Hungría, Iraq, Malawi, Bangladesh, Turquía, Sudán, Croacia, Honduras y Angola. La serie fue publicada en libro y se convirtió en el tema de una exposición en el Centre National de la Photographie en París.

En 1993 Vink fue nominado para entrar en la agencia Magnum Photos y en 1997 se convirtió en miembro a pleno derecho. De 1993 a 2000 trabajó en Peuples d'en Haut, una crónica de la vida de comunidad en las regiones montañosas de Guatemala, Laos y el Cáucaso georgiano.

Desde el 2000 está trabajando en Camboya documentando los problemas sociales , los problemas de la tierra así como los juicios a los Khmer Rojos, de esta manera esta centrado en un lugar fijo en vez de estar continuamente viajando además de ir abandonando poco a poco el mundo de la fotografía.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Levy & Sons

O. Winston Link

Más información:

Página Oficial

Magnum Photos

Enfocando a... Lucas Samaras

Lucas Samaras es un artista griego, nació en Kastoriá, Grecia. Estudió en la Rutgers University. Antes de comenzar a realizar fotografías Samaras realizó obras como pintor, escultor, y artes escénicos.

Sesiones. Polaroid (1979)

Sesiones. Lucas Samaras

El modelo parece que se ha preparado para posar en una sesión de fotos. El telón de fondo decorado con cerezas parece pertenecer a una cocina, al igual que la silla. A la izquierda está el fotógrafo, participando e incluso compitiendo con el modelo, que podría haberse movido a un lado para estar presente en la representación.

Samaras se presenta en “Sesiones” como un aspirante a especialista que no tiene ni la paciencia ni el gusto para dominar el formato y que en cualquier caso deseaba hacer fotografías de sí mismo ejerciendo de director. ¿Samaras anhelaba la venganza? ¿Quería obtener lo mejor de todos esos modos perfectos de los que dependía la cultura para tener una buena opinión de sí misma? Lo cierto es que se permite todas las libertades y usa todas las artimañas estridentes de iluminación y escenificación desaprobadas en los manuales, e incluso confiesa un nivel de narcisismo que en circunstancias normales se consideraría inaceptable.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Marie Cosindas

Jean-Louis-Marie-Eugène Durieu

Cristina García Rodero

Barón Wilhelm Von Gloeden

Más información:

http://www.pacegallery.com/artists/414/lucas-samaras

Más imagenes

Enfocando a... Marie Cosindas

Marineros, Key West. Polaroid (1966)

Marineros, Key West

Marie Cosindas conoció a los marineros por casualidad en Key West. En el contexto de la alfombra raída y de la naturaleza muerta de las flores, parecen actores de una obra dramática de antes de la 2ª Guerra Mundial. Los contemporáneos masculinos de Marie en la década de 1960 eran especialistas en el paisaje social, con un escenario duro y de respuesta deficiente. A ella en cambio, le gustaba imaginar el mundo hecho de nuevo con ternura y bellos colores y muebles. Marie era pintora y estudiante de diseño en sus orígenes, en 1961 se trasladó de Boston a California para estudiar fotografía con Ansel Adams. En 1962 la compañía Polaroid le pidió que probase Polacolor, una película de color que estaba a punto de lanzarse. El nuevo medio le venía bien, y se convirtió en una experta depuse de experimentar con diversos filtros y diversos tiempos de exposición. Sus primeras fotografías de flores, retratos a diseñadores de moda y los dandys del momento fueron publicadas en 1978 en “Color Photographs”, con la introducción escrita por Tom Wolfe, uno de sus modelos.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Ansel Adams

Alfred Eisenstaedt

Hill y Adamson

Lucas Samaras

Más información:

Wikipedia

Enfocando a... Joel Meyerowitz

Joel Meyerowitz es un fotógrafo urbano, especialista en paisajes y retratos. Empezó fotografiando en color en 1962 y fue uno de los primeros en utilizar el color en la fotografía como una forma de arte serio, algo que en aquella época no estaba bien reconocido. Fue miembro de la Cooper Union a principio de los años 70, convirtiéndose en una figura importante para muchos fotógrafos en color actuales.

12ª avenida entre las calles 34 y 35. Impresión de tipo C (1978)

12ª avenida entre las calles 34 y 35. Joel Meyerowitz (1978)

Meyerowitz decía de esta fotografía que el Empire State Building le seguía sorprendiendo, y también constituía un punto de partida desde el que podía ver “los contrapuntos entre estilos arquitectónicos”: la terminal y el almacén, el establecimiento de comidas y la casa de piedra rojiza. Sin embargo, es el edificio antiguo el que capta la luz y establece el tipo de revelación que Meyerowitz buscaba en los 70. En 1978, fecha en la que se tomó esta fotografía, los aspectos trivales de la calle se habían convertido en un desafío en la fotografía, y la respuesta de Joel fue crear un arte en torno a una divergencia: monotonía y luz. Cuanto mayor divergencia, más eficaz era la fotografía, y en este establecimiento pintado de azul encontró un arquetipo de la falta de pretensiones, un refugio elemental que contrastaba con ese momento de vivo colorido en la luz azul de la mañana.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
William Christenberry
Robert Longo
Wright Morris
Norman Parkinson

Más información:
Bio
Web Meyerowitz
Joel Meyerowitz - 'What you put in the frame determines the photograph' (Video)

Enfocando a... Jaromír Funke

Sin título. Gelatinobromuro (1927) 

Jaromír Funke. 1927

De las tres imágenes proyectadas, la más distante tiene preferencia porque sobre ella se ha superpuesto la figura central, que a su vez es cortada por el motivo triangular del primer término. Aunque pueda ser incorrecto pensar en prioridades respecto a la luminosidad que se superpone, hay una especie de progresión desde la botella claramente trazada en el fondo hasta la esquemática sombra más cercana, como si la imagen avanzase hacia la abstracción. Las botellas también sugieren humanidad, o tal vez quieran representar un hombre con un sombrero.

Funke, tanto en esta como en todas las fotografías realizadas en la década de 1920, somete al espectador a una prueba de percepción, como si practicase un juego. Sus fotografías piden ser entendidas paso a paso, como si quisiera que su publico comprendiese exactamente qué estaba implícito en la nueva visión de aquella época.

¿Quien es Jaromír Funke?

Jaromír Funke fue un fotógrafo checo vanguardista que participó en los movimientos constructivista y surrealista. Utilizó fotogramas y abstracciones, bajo la influencia de la nueva visión. Está considerado como uno de los principales representantes de la vanguardia checa en los años 1930.

Abandonó sus estudios de medicina para centrarse en la fotografía y tras realizar un reportaje sobre Kolín, conoció a Josef Sudek con el que fundó en 1924 la Sociedad Checa de Fotografía, además de Adolf Schneeberger. En 1931 realizó su primera exposición en Praga con una serie fotográfica titulada Reflexes, a la que pertenece la imagen comentada.

Fue un miembro activo en el grupo Sociofoto que se implicaba en la denuncia de la situación de los pobres y entre 1944 y 1945 estuvo colaborando con la cooperativa DORKA de Praga. Entre 1940 y 1944 estuvo trabajando en una serie fotográfica titulada "Ciclo de la tierra insatisfecha" como reacción a la Segunda Guerra Mundial. Murió en Praga, el 22 de marzo de 1945 al tener que ser operado de urgencia y no existir los medios adecuados a causa de la guerra.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Frantisek Drtikol
László Moholy-Nagy

Más información:
Imagenes de Funke
Biografia

Enfocando a... Chris Killip

Rocker y Rossie volviendo a casa. Gelatinobromuro (1982)

Rocker y Rossie volviendo a casa. Chris Killip (1982)

Estas dos personas, que podrían ser madre e hijo, vienen de recoger carbón marino con su caballo y su carro. La mujer, en consonancia con su madurez, parece pensativa, mientras que el niño presta atención al camino. La recogida de combustible es un tema que ha sido tratado por la fotografía documental desde el 1900. Figura en los reportajes urbanos de Alemania desde la década de 1920, y después, en un contexto británico, en la obra de Bill Brandt en el decenio de 1930. La diferencia entre esta imagen y las de los años 20/30 es que ésta es más deliberada, y los detalles de la situación cobran vida, como las uñas brillantes de las manos oscuras del niño. La pareja siente frío, del mismo modo que deben sentir el traqueteo del carro por el camino pedregoso. Como otros documentalistas de su generación, Killip prefirió no acercarse a la elegancia de los condados de los alrededores de Londres y concentrarse en el noroeste de Inglaterra. Muchas de las fotografías tomadas por Killip en esa región aparecen en su libro “In flagrante”, publicado en 1988.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Bill Brandt

Nikos Economopoulos

Peter Henry Emerson

Robert Howlett

Más información:

Web Chris Killip

In Fragrante

Enfocando a... Roger Fenton

Valle de sombra de muerte (1855)

Valle de sombra de muerte. Impresión en papel salado. 1855

Vemos un camino que recorre un árido paisaje, algo sencillo, pero esta es una de las imágenes bélicas más famosas. Es una de las primeras. Su título esta tomado del Salmo 23, en el que se habla de prados de tiernos pastos, alias tranquilas y sendas de justicia. Los aspectos positivos y redentores del salmo deben haber formado parte siempre del significado de la fotografía. Los contemporáneos veían también las balas de cañón, posadas como piedras en el camino, como restos dejados por los glaciares, incidentales así a entender la guerra como una catástrofe natural provocada por el hombre. 

Roger Fenton fue pintor en sus orígenes, se formó en Londres y en París, en el estudio del artista Paul Delaroche. En 1853 fue uno de los fundadores de la London Photographic Society, que después ser ala Royal Photographic Society. Fenton hizo unas 300 fotografías de la guerra de Crimea, que merecieron una respuesta poco entusiasta cuando se pusieron a la vente en 1856.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Alexander Gardner

Werner Hannappel

Axel Hütte

Stephen Shore

Más información:

Biografía Roger Fenton

Enfocando a... Bruce Nauman

Autorretrato como fuente. Impresión de tipo C (1966)

El fotógrafo, que se imagina como una fuente, lanza un delgado chorro de agua hacia la cámara. La ambición de Nauman, formada en los primeros años de su carrera como fotógrafo, era hacer cosas cargadas de significado personal, lo que significaba usar su propio cuerpo en performances registradas fotográficamente.

El autorretrato como fuente, pertenece a una serie de once fotografías en color que datan de 1966 a 1967. Las otras imágenes del conjunto ilustran juegos de palabras y frases hechas. Un ejemplo es “pies de barro” en la que se muestra unos pies embadurnados de barro, o “tragándome mis palabras” donde se muestra palabras comestibles en un plato. 

Nauman se sentia fascinado por las ideas y los objetos sencilos que pudieran exhibirse como arte. Renunció al refinamiento, aunque en esta imagen hay un eco del famoso urinario de Marcel Duchamp, expuesto en 1917 con el titulo de “fuente”. 

En la decada de 1960, y en parte debido al ejemplo de Nauman, la fotografía y la escultura comenzaron a acercarse.

¿Quien es Nauman?

Bruce Nauman nació en 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU. Estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, comisariada por Patricia Martín, donde las obras destacaban por la minimización de los medios y los gestos, y como a través de la repetición se puede producir obras de extrema densidad visual, física y conceptual. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres. Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados según Artfacts.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Yasumasa Morimura

Arnulf Rainer

Eugene Richards

Andy Warhol

Stanislaw Ignacy Witkiewicz

Wanda Wulz

Más información: 

http://es.wikipedia.org/wiki/Bruce_Nauman

Enfocando a... Fay Godwin

Sin titulo, impresión de tipo C, 51x61. Fay Godwin. 1990

Esta imagen podría ser una fotografía de un paisaje tomada a través de las capas verdosas de la superficie. Esos elementos verticales podrían ser postes indicadores o incluso lápidas. La superficie cubierta de musgo o polvo más cercana parece casi un sistema meteorologico registrado por un satélite, aunque también está interrumpido por iniciales grabadas y por los restos de dedos infantiles o caracoles.

El tema de Fay aquí, como en todas las demás fotografías en color realizadas durante los años 90, es una historia biológica más amplia, que mezcla la primavera con el otoño, con intervenciones humanas tan vulnerables como se puede apreciar en esta imagen. A veces sus fotografías incluyen los tallos y las venas de las plantas, conmovedora sugerencia de que el paisaje también vive y respira.

Fay Godwin, que fue una importante paisajista británica, nació en 1931 en Berlín, Alemania, su padre era un diplomático británico y su madre una artista estadounidense. En 1958 se fue a vivir a Londres, donde comenzó a interesarse por la fotografía retratando a sus hijos pequeños. En 1975 publica su primer libro, como co-autora, con el escritor JRL Anderson. En 1978 recibe el premio del Consejo de las Artes de Gran Bretaña y sigue trabajando en fotografías del paisaje de las islas británicas, gran parte del cual se incluye en la retrospectiva “Land”. Es Presidenta de la Asociación “Ramblers” del 1987 al 1990, año en el que la nombran Miembro Honorario de la Real Sociedad Fotográfica. En 1992 la nombran Miembro Honorario de la Real Incorporación de Arquitectos en Escocia y en 1995 recibe el Premio de las Artes del Norte para el Año de las Artes Visuales, y de la Fundación Victor Hasselblad Erna y trabaja en la contribución de los pequeños agricultores al carácter del paisaje de Cumbria. Murió, mayo de 2005 a los 74 años.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Olivo Barbieri
Laura Gilpin
Werner Hannappel
Stephen Shore
Shomei Tomatsu

Enfocando a... John Thomsom

John Thomson (1837 – 1921) fue un geógrafo y fotógrafo británico. Fue uno de los primeros fotógrafos en viajar al Lejano Oriente, documentando la gente, los paisajes y los objetos de las culturas orientales. Al regresar a casa, su trabajo entre la gente de la calle en Londres consolidó su reputación, y es considerado como un ejemplo clásico del documental social que sentó las bases para el fotoperiodismo. Llegó a convertirse en un fotógrafo de retratos de la alta sociedad en Mayfair, ganando la Autorización Real en 1881.

Mágico callejero. Albuminotipo (1876)

Este médico con su zapato con alza, se puede apreciar que tiene ciertas dificultades para convencer a las mujeres para que le compren algún remedio o cura. A partir del año 1870, la gratitud de los hospitales hacía que la figura del médico ambulante comenzara a ser un anacronismo en las calles de Londres. En esta época se pensaba que la actividad médica callejera era un timo y es por ello que John Thomson sintiera cierto interés en hacer más de una fotografía a este tipo de actividad. 

Durante 1876, John Thomson estuvo haciendo fotografías de todo lo que acontecía por las calles de Londres y fueron publicadas al año siguiente en la famosa serie “Street-life in London”. Cada imagen iba acompañada de un ensayo, escrito por el propio Thomson y estaba basado en las entrevistas realizadas a la gente de la calle, y dejaba constancia de nombre propios, sobrenombre, gritos callejeros, jergas, anécdotas y sabiduría callejera de la época. Por el alto contenido informativo y fotográfico, se considera a esta serie como el “primer estudio de los arquetipos humanos de una ciudad” e influyó en gran medida en la imagen de Londres al menos hasta 1950.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque: 

Boris Mihailov 

John Cimon Warburg

Más información:

Wikipedia

Enfocando a... Willard van Dyke

Willard van Dyke (1906-1986) fue un fotógrafo y cineasta americano que creía que la fotografía debería tener una mayor influencia en el mundo y que el cine podría cambiarlo.

Conductos de ventilación. Gelatinobromuro (1932)

La composición de Van Dyke pide al espectador que trace el mapa de un espacio que a primera vista es perfectamente sencillo. El conducto de ventilación de la izquierda parece estar más cerca de nosotros que el tubo con tapa de la derecha, pero no se puede afirmar con certeza debido a la ausencia de un plano o de detalles contextuales. A Van Dyke y a sus precursores, como Paul Stand en la década de los años 20, les gustaba ocultar las coordenadas en las imágenes de maquinaria como esta, para que el espectador no tuviera otra opción que convertirse en topógrafo de superficies abstractas e involucrarse así en hechos en vez de sentimientos.

¿Quin es van Dyke?

Realizó estudios en la Universidad de California y en 1929 entró como aprendiz de fotografía con Edward Weston. Durante esta época, colaboró en revistas como Harper's Bazaar, Life y Architectural Forum. En 1932 fue cofundador del Grupo f/64 junto a Ansel Adams e Imogen Cunningham entre otros, que propugnaba la fotografía “directa” en oposición al pictorialismo “desvitalizado” que entonces era la norma en California. A medida que avanzaba los años 30, Van Dyke dirigió su atención a las personas que durante la “gran depresión” hacían cola en los comedores sociales y a finales de esta década comenzó a dedicarse al cine realizando una serie de reportajes de tipo social. Su primer gran trabajo fue como cámara en la película The River y después comenzó su trabajo como productor en The City y los documentales Valleytown y The Bridge, hasta realizar la película Skyscraper en 1960 que fue premiada en el Festival de cine de Venecia.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Lewis Baltz

Charles Sheeler

Paul Strand

Más información:

Grupo F64

Enfocando a... Robert Demachy

Robert Demachy (1859-1936) fue un fotógrafo francés que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras proporcionándoles un acabado similar a las pinturas. Cualquiera que sea el tema, sus figuras siempre se funden con la atmósfera que las rodea.

En la hierba. Impresión al óleo (1902)

En la hierva. Demachy. 1902

La muchacha vestida de blanco está leyendo en una pradera. Al mirarla es fácil imaginar cómo seria el estar así tendido en el campo. En esta imagen vemos la tendencia de fusionar las figuras humanas con los fondos de Demachy, para él es una manera de demostrar que los modelos están hechos de la misma materia que la naturaleza. Hizo muchas fotografías de mujeres en paisajes y de la vida rural. 

¿Quien es Demachy?

Demachy, nació el 7 de julio de 1859 en Saint-Germain-en-Laye en el seno de una familia adinerada con negocios financieros. Al poco de nacer, su familia regresó París donde recibió una educación excelente en el colegio de los jesuitas. A mitad de la década de 1870 descubre la fotografía y se apasiona por ella. Desde ese momento dedica su tiempo a la misma, realiza tomas fotográficas y se dedica a escribir sobre ella. Aunque nunca trabajó como un profesional de la fotografía la dedicaba la mayor parte de su tiempo.

Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatada introducido por A. Rouillé-Ladevèze en el Salón de París. Desarrolló un estilo que basado en la manipulación de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y el positivo en papel. Estas ideas, que él mismo había experimentado, las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bicromatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única.

En 1897 publicó su primer libro junto a Alfred Maskell, y durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y convirtiendose en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones.

Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. Murió de ateroesclerosis el 29 de diciembre de 1936, y días antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus exposiciones.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
George Davison
Hugo Erfurth
Theodor y Oscar Hofmeister
Federico Patellani

Más información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Demachy

Enfocando a... Steven Meisel

Steven Meisel es un fotógrafo de moda estadounidense que se hizo conocido por su trabajo en la revista Vogue —ediciones italiana y estadounidense— y por las fotografías que hizo a su amiga Madonna para en el libro Sex, en 1992. En la actualidad, es considerado uno de los mejores fotógrafos de moda, y colabora activamente en las revistas Vogue y W, ambas editadas por Condé Nast Publications.

Steven Meisel firma todas las portadas de Vogue Italia desde hace 25 años en exclusiva (lo que suma cerca de 300 portadas con sus correspondientes editoriales) y es una de las figuras más misteriosas de la industria de la moda. Su esfuerzo por mantenerse alejado de los focos marca la personalidad de este influyente fotógrafo. Apenas se conocen imágenes suyas, y en las pocas que hay, suele aparecer con gafas de sol. Sólo se ha dejado fotografiar en la primera fila de un par de desfiles, en contadas fiestas, y en compañía de Linda Evangelista. Annie Leibovitz consiguió retratarle para una campaña de Gap. Y para verle en vídeo hay que recurrir a una escena de Portfolio, la película de 1983 sobre el mundo de la moda.

Estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño y en la Nueva Escuela de Diseño Parsons. Allí acudió a diversos cursos, sin embargo, se graduó sólo en Ilustración de Moda. Uno de sus primeros trabajos fue como ilustrador del diseñador Halston. Pasado un tiempo, entró a trabajar como ilustrador en el periódico de modas Women's Wear Daily, un día le mandaron a trabajar a la agencia de modelos Elite, donde dos chicas que estaban en ese momento le dejaron tomar fotografías a algunas de las modelos. Meisel jamás pensó que llegaría a convertirse en fotógrafo. Admiraba a artistas como Jerry Schatzberg, Irving Penn, Richard Avedon y Bert Stern, y fue de este modo que comenzó en el mundo de la fotografía. Entre semana trabajaba en Women's Wear Daily y los fines de semana trabajaba con las modelos. Las fotografiaba en su apartamento de Nueva York o en la calle. Algunas de estas modelos llevaron sus fotografías a la revista Seventeen, donde los encargados de la publicación, después de ver estas fotos, llamaron a Meisel y le propusieron trabajar con ellos.

Sin titulo, Editorial para Vogue. 1996

Dos elegantes mujeres tocadas con casquetes están sentadas a una mesa en un escenario compuesto con gran cuidado. Todas las referencias que muestra Meisel en esta fotografía apuntan al modernismo. Su color, pastel y granulado, recuerda los autocromos de los primeros años del siglo XX y a la fotografía en color de Jacques-Henri Lartigue. El mobiliario liso es también modernista, como lo es el telón de fondo arquitectónico.

Tomada para la edición italiana de Vogue y publicada en octubre de 1996 junto con un artículo titulado “neo-fashion”, la fotografía pretende invocar una serie de estilos modernistas, sólo por el placer del reconocimiento. La moda supone una coincidencia de estilos recuperados a sabiendas o no. Meisel pide a sus espectadores que piensen en sí mismos como personas doctas y refinadas.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

• Jane Evelyn Atwood
• Seydú Keita
• Jacques-Henri Lartigue

Más información:

• Steven Meisel
• Wikipedia
• Unica entrevista concedida
• Película donde aparece: Portfolio

Enfocando a... Anne W. Brigman

Anne W. Brigman fue una actriz, poeta y fotógrafa estadounidense, nacida en 1869 en Hawai y fallecida en Los Ángeles, el 8 de febrero de 1950. Fue componente del grupo Photo-Secession y una reconocida fotógrafa pictorialista. Su obra más personal fue el desnudo femenino en paisajes naturales. Su fotografía más significativa fue “Soul of the Blasted Pine” (el alma del pino herido), un autorretrato realizado en 1908. 

El alma del pino herido por un rayo

Soul of the Blasted Pine

La mujer del árbol es una ninfa de los árboles de la mitología clásica que sufre el infortunio de su huésped en las montañas de California. Según los relatos antiguos, estas ninfa morían cuando sus árboles se pudrían. Brigman tomó muchas fotografías de este tipo en la zona del lago Donner, en las Sierras de California. Utilizaba a sus amigas, su hermana o su madre como modelos. Describió los árboles de California como “gigantes achaparrados, retorcidos y desgarrados con el empuje de los vientos dominantes” y recordó hasta qué punto se había quedado petrificada y poseída por el espíritu del lugar que pudo visualizar “la forma humana como parte de los ritmos de los árboles y las rocas”. Lo que confiere una convicción particular a una obra que de otro modo podría parecer artificioso es una poderosa sensación de mortalidad. En 1909-1910, Brigman fue bien acogida en el circulo de Alfred Stieglitz en Nueva York, en parte “por su extraño” acento californiano.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Olivo Barbieri
Fred Holland Day
Darius Kinsey
Alfred Stieglitz
Wolfgang Tillmans
Jerry Uelsmann

Más información:
http://en.wikipedia.org/wiki/Anne_Brigman