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viernes, 26 de junio de 2015

Enfocando a... Olivia Parker

Vainas de la suerte. Copia de contacto de plata virada al selenio. (1977)



“Una hilera de vainas de guisantes, parecidas en estructura pero vivas en variación, me fascina. Una hilera de flores de plástico idénticas en si estructura pero muertas en su conjunto tendría poco atractivo, a menos que hubieran sido masticadas por mi perro, variadas, alteradas por energía viva.”

Así presentaba Olivia Parker su libro “sings of life” en 1978. Las naturalezas muertas por las que es famosa, se hicieron con una cámara de cristal esmerilado, se politizaron por contacto en papel de cloruro de plata y viradas en selenio para que tuvieran el aspecto de imágenes antiguas, imágenes que hubieran sido objeto de las inclemencias del tiempo. La idea de esta artista sumamente filosófica es que deberían hacerse imágenes que representasen las transiciones de la realidad en un mundo compuesto “de equilibrios delicados y bordes afilados: pequeña variación dentro de una estructura frágil, membranas delicadas, temperatura exigua y tolerancia depresión”. Olivia estudió historia del arte en el Wellesley Collage de Massachusetts, donde se graduó en 1963.

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miércoles, 24 de junio de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo... Smoke


Director: Wayne Wang
Fotografía: Adam Holender

Sipnosis

En torno a un estanco se desenvuelven las historias de un puñado de personajes solitarios cuyas vidas parecen marcadas por el azar: el escritor Paul Benjamin, que trata de recomponer su vida tras la muerte de su esposa por culpa de una bala perdida en un atraco y de cómo consiguió su cámara fotográfica y de por qué se decidió a elaborar su singular colección de fotografías; el joven Rashid Cole, un adolescente negro bastante desorientado que trata de encontrar a su padre, que le abandonó cuando sólo era un niño; Cyrus Cole, que vive la amputación de su brazo izquierdo como un castigo divino; o el dependiente Auggie Wren, que guarda en su pasado algunos secretos de los que no está del todo orgulloso.

La película tuvo una continuación titulada Blue in the Face, siguiendo a parte de los personajes de la primera e introduciendo algunos nuevos.

Premios

1995: Festival de Berlín: Oso de Plata - Premio Especial del Jurado, 2 nominaciones a Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Harvey Keitel), Chlotrudis Awards: Nominado Mejor Actor (Harvey Keitel) y Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera

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martes, 23 de junio de 2015

Histografía... Sarah Moon

Creativa


Sara Moon. Now and then


En 1979, dejó los trabajos puramente comerciales y comenzó a realizar obras más introspectivas y puramente artísticas, aunque siempre dotadas de una profunda belleza y elegancia. Degrada sus fotos para expresar la descomposición causada por el tiempo. Desde su estudio de París, la fotógrafa radicalizó progresivamente su apuesta artística: adoptó el blanco y negro y la película Polaroid como medio expresivo y comenzó a experimentar en la imaginación infantil, el ensueño y el surrealismo, al tiempo que degradaba sus fotos para expresar el paso inexorable del tiempo y la descomposición. Los desenfoques y largos tiempos de exposición son otra constante en su trabajo.

Aunque sus primeras fotos están influenciadas por Guy Bourdin, el tono de Moon ha girado hacia la estética del expresionismo alemán, el cine de los años treinta y el trabajo de artistas plásticos como Delacroix. En la temática de sus obras hay referencias constantes a la memoria, la muerte, la infancia, la feminidad y la soledad.

Moon se casó con el visionario editor y comisario de exposiciones francés Robert Delpire y desde 1985 se ha concentrado en su galería y sus exposiciones. También ha experimentado con el cine, rodando varios cortos y documentales, incluso se ha atrevido con un video pop de Aicha por Khaled, llegando a ganar el Infinity Award del International Center of Photography en 1985.

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martes, 9 de junio de 2015

Histografía: Sarah Moon

Comienzos en Cacharel




En 1968, Jean Bousquet conoce a Sarah Moon, una joven fotógrafa desconocida en aquella época. Es el comienzo de una feliz colaboración, enriquecida por la llegada del publicista Robert Delpire. Todos ellos, dan origen al universo Cacharel: un universo romántico, inmortalizado para siempre por imágenes inolvidables, cautivadoras, soñadoras y poéticas.

Después de trabajar durante mucho tiempo con Cacharel, su reputación creció y también recibió encargos de Chanel, Dior, Comme des Garçons… llegando a convertirse en una gran fotógrafa de moda. Trabajó para las publicaciones Vogue, Elle, Harper’s Bazaar, Marie Claire… y destacó por la creación de escenografías y la complicidad que lograba con las modelos.

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Video Sarah Moon

martes, 2 de junio de 2015

Histografía: Sarah Moon

Inicios


Marielle Hadengue, más tarde conocida como Sarah Moon, nació en 1941, en Vichy. Su familia era judía, se vieron obligados a abandonar Francia por la invasión nazi y se fueron a Inglaterra. En su adolescencia estudió dibujo para más tarde trabajar como modelo en Londres y París, de 1960 a 1966. Además de trabajar como modelo, se interesó por la fotografía, le gustaba tomar fotos de sus colegas modelos y retratar el proceso interior de los desfiles como simple distracción de aficionada, pero sus fotos, estilizadas y de gran poder de sugestión, pronto llamaron la atención de los editores.

En 1970, finalmente se decidió a dedicar todo su tiempo a la fotografía, adoptó el nombre de Sarah Moon. Ella capturó con éxito la atmósfera de moda de Londres después de los "años 60", en estrecha colaboración con Barbara Hulanicki, que había puesto en marcha la conocida tienda de ropa Biba.

En 1972, trabajó para el calendario Pirelli, convirtiéndose en la primera mujer en hacerlo.


1972 Pirelli calendar by Sarah Moon
1972 Pirelli calendar by Sarah Moon

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martes, 26 de mayo de 2015

Histografía: Helmut Newton

Celebrities


Linda Evangelista. Helmut Newton.

A partir de la década de los 60 el fotógrafo alemán se uniría al gran modisto Yves Saint Laurant, al que le haría más grande de lo realmente es. Esta unión se mantuvo durante años.

Pese a que se acuse a Helmut Newton de pornografía básica y barata, él sabía cómo sacar el lado más sensual de cada centímetro. Tiene numerosas obras de detalles entre los que abundan las piernas, al igual que su maestra Yva. Y todas las famosas deseaban su cámara. Realizó retratos a personajes de la talla de: Andy Warhol, Salvador Dalí, Marlene Dietrich, Linda Evangelista, Catherine Deneuve, Mick Jagger, Twiggy, Sigourney Weaver, …

En 1975 presentó su primera exposición personal en la galería Nikon en París. Y al año siguiente fue considerado el mejor fotógrafo los directores artísticos Club de Tokio, Japón. En 1977 publicó Femmes Blanches, su primer álbum de fotos, que le fue otorgado por el Instituto americano de artes gráficas. Dos años más tarde fue el turno de los directores artísticos del Club de Berlín que consagraron a Newton como mejor fotógrafo del año.

En los años 80 se trasladó a Monte Carlo en Mónaco, dividiendo su vida entre el Principado y el Reino Unido. Francia honró doblemente Helmut Newton en el año 1989, nombrándolo caballero de las Artes y las letras y entregándole el gran premio de la ciudad de París. El año siguiente todavía en Francia, recibió el Gran Premio Nacional de fotografía.

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Helmut Newton
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viernes, 22 de mayo de 2015

Enfocando a... Sarah Moon

Morgana. Gelatinobromuro (1985)


Morgana. Sarah Moon. 1985
Morgana. Sarah Moon. 1985

Morgana era una hechicera y, según la leyenda, era hermana del Rey Arturo a quien hizo desaparecer después de la fatídica batalla de Camelot. En esta fotografía, Sara Moon la representa como una criatura sumida en un breve sueño sobre un telón de fondo en una calle descuidada. Mantiene su papel imaginario en un escenario perfectamente cotidiano.

Esta fotografía pertenece al libro “Red Riding Hood” (Caperucita Roja) de Sara Moon.

En la introducción al catalogo “Vrais Semblants”, de 1991, Sarah describe su difícil estrategia: partir de la nada e inventar una historia que no se explica o imaginar una situación que no existe. Moon se pregunta a menudo si se puede hechizar al mundo, aunque sólo sea por un momento. En la introducción a su libro “unlikeness”, 1991, señala las dificultades que entraña hacer fotografías de
“privilegio, ilusión, evanescencia, desemejanza y belleza; después busco la emoción, una búsqueda con menos esperanzas si cabe.”
Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Vittorio Alinari
Teun Hocks
Richard Misrach
Martin Parr
Arthur Tress

Más información:
http://www.20minutos.es/noticia/1462487/0/sarah-moon/fotografa-alquimista/exposicion-nueva-york/

martes, 19 de mayo de 2015

Histografía: Helmut Newton

Porno chic
Helmut Newton, French Vogue, Rue Aubriot, Paris, 1975
Helmut Newton, French Vogue, Rue Aubriot, Paris, 1975

Antes de asentarse en París en 1961 pasó dos años en Melbourne, colaborando de nuevo con la cabecera australiana de Vogue. En la capital gala encontrará el estilo que le hará único: el sexo. Al que le da un toque de perversión que con el tiempo irá aumentando. Helmut Newton acababa de despegar.

Antes de que Tom Ford se adueñase del término “porno chic”, Helmut Newton lo retrató en todas sus artes. Vogue París viviría una época dorada junto a Helmut y juntos atraerían la controversia a la moda que aún hoy sigue latente.

La técnica de Helmut Newton era muy depurada. Elegante, en blanco y negro por lo general, con ningún retoque, apuesta por la luz natural y gusto por retratar al personaje. Si existe un libro deseado en moda ese es SUMO. Se publicaron 10.000 ejemplares de este libro de forma numerada y firmada, llegó a convertirse en “el libro más caro del siglo XX”. Un ejemplar se vendió por nada menos que 620.000 marcos (en torno a 332.870 euros) el 6 de abril de 2000. Fue un proyecto ambicioso, con una calidad exquisita y un tamaño para tener un museo personal en casa, era necesario un atril resistente para aguantar sus 35,4 kilos.

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Más imágenes porno chic
Web official Helmut Newton

martes, 12 de mayo de 2015

Histografía: Helmut Newton

Inicios

Helmut Newton comenzó en la fotografía siendo un niño, por entonces Helmut Neustädter. A sus 12 años compró su primera cámara gracias a sus ahorros. Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertirían en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprendería el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro.

La obra de Yva, conocida como Else Ernestien Neuländer-Simon, es fundamental para entender el rumbo que toma el hijo de un fabricante de botones que no entendía la visión artística de su hijo, intentando mediante su educación en el colegio estadounidense de Berlín que este viese que lo más saludable sería continuar su negocio de botones, el cual perdió debido a los nazis.

Yva fue una avanzada para su época, hija de un modista y comerciante, tuvo un estudio fotográfico propio a los 25 años (1925). Ni siquiera el matrimonio con Alfred Simon logró que su origen judío le causase la muerte años más tarde. En 1938 tuvo que cerrar definitivamente su estudio para convertirse en técnica en radiología. En ese mismo año Helmut Newton cogió sus dos cámaras y partió a Singapur para huir de los nazis. Sus padres lo habían hecho poco antes hacia Suramérica.

En 1948 Helmut Newton seguía dando tumbos. Tras su paso poco exitoso por el periódico de Singapur, en el cual solo estuvo dos meses antes de que le despidiesen, llegó a Australia donde tras un tiempo en un campo de internamiento por su nacionalidad, pasó a las filas del ejército australiano. En 1945 Helmut Neustädter pasó a llamarse como lo conocemos hoy en día: Helmut Newton. Tres años más tarde se casó con la actriz June Brunell, que sería más conocida como la fotógrafa Alice Springs.

En 1946, Newton establece su propio estudio en Melbourne. A partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana. Pese a que la oportunidad de firmar un contrato con dicha cabecera de Vogue y volar para Londres con un contrato de 12 meses era un sueño, al mes ya está en París donde sigue trabajando con revistas francesas y alemanas.

Helmut Newton Sus trabajos también fueron publicados en las revistas Marie Claire o American Playboy
Sus trabajos también fueron publicados en las revistas Marie Claire o American Playboy
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martes, 28 de abril de 2015

Histografía: Ansel Adams

Conservador.


1958. Aspens, New Mexico. Ansel Adams
1958. Aspens, New Mexico.

Adams se describió a sí mismo como un fotógrafo, profesor y escritor. Tal vez sería más exacto decir que él era simplemente un comunicador. Adams viajó sin cesar por todo Estados Unidos buscando la belleza natural. Sintió un intenso compromiso con la fotografía como un arte y jugó un papel clave en el establecimiento del primer departamento del museo de la fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Trabajó en el museo y fomentó las relaciones con Beaumont, administrador e historiador del museo y Nancy Newhall, escritora y diseñadora. Su sociedad fue sin duda la colaboración más fuerte en la fotografía del siglo XX. En los años 1950 y 1960 Nancy Newhall y Adams crearon una serie de libros y exposiciones de importancia histórica, en particular “the Sierra Club’s: This is the American Earth” en 1960, que, con el clásico “Silent Spring” de Rachel Carson, jugaron un papel fundamental en el primero movimiento ecologista.

Adams era un activista incansable de la vida salvaje y el medio ambiente. Durante años asistió innumerables reuniones y escribió miles de cartas en apoyo de esta filosofía de conservación para los editores de periódicos, los burócratas y los políticos. Sin embargo, su gran influencia vino de su fotografía. Sus imágenes se convirtieron en símbolos, los iconos verdaderos de la América salvaje. Cuando la gente pensaba en los parques nacionales de Sierra Club o la naturaleza a menudo se referían a una fotografía de Ansel Adams. Sus imágenes en blanco y negro no eran documentos "realistas" de la naturaleza. Buscaban una intensificación y la purificación de la experiencia psicológica de la belleza natural. Él creó un sentido de la grandeza sublime de la naturaleza que infunde al espectador el equivalente emocional de la vida salvaje, siendo más poderosa que la vida real. Se centró en lo que él denominó “aspectos espirituales y emocionales” de los parques y en la vida salvaje resistiéndose a que los parques se convirtieran en cotos privados. Luchó para que Alaska se mantuviera en estado salvaje, por las secoyas, por los leones marinos y nutrias marinas en peligro de extinción, por y para que el aire y el agua se mantuvieran limpios… Era un defensor del uso equilibrado y moderado de los recursos, también luchó sin descanso contra carreteras, vallas publicitarias y todo tipo de cambios que perjudicaran al medio ambiente. Sin embargo, él siempre trataba a sus oponentes con respeto y cortesía.

Adams fue a menudo criticado por no incluir a seres humanos o evidencia de la "humanidad "en sus fotografías. El gran fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson hizo el comentario:
"el mundo se está cayendo a pedazos y toda fotografía Adams y Weston es rocas y los árboles”
pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

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martes, 21 de abril de 2015

Histografía: Ansel Adams

Epoca comercial


Colorama. Ansel Adams
Colorama Kodak. Ansel Adams


El gran reconocimiento que consiguió Ansel Adams, no alivió sus presiones financieras. En una carta, de fecha 6 de agosto de 1935, le escribió a Weston: "He estado muy ocupado, y estoy muy cansado, pero a pesar de ello, no parece que puede tener una vida acomodada”. Adams se vio obligado a pasar gran parte de su tiempo como fotógrafo comercial. Sus clientes cubrían toda la demanda comercial, desde el concesionario de Yosemite, el Servicio de Parques Nacionales, una empresa de frutos secos, … hasta grandes marcas como Kodak, Zeiss, IBM y AT & T. Realizaba todo tipo de trabajos desde retratos a catálogos, como los Coloramas de Kodak. El 2 de julio de 1938 escribió a su amigo David McAlpin, 
"tengo que hacer algo en un futuro relativamente cercano para recuperar el buen camino en la fotografía. Estoy literalmente inundado con el trabajo “comercial”. Es necesario por razones prácticas, pero estoy muy limitado en lo que respecta a mi trabajo creativo”. 

Aunque Adams se convirtió en un especializado fotógrafo comercial, el trabajo era intermitente, y él estaba constantemente preocupado por pagar las cuentas del mes. Su situación financiera siguió siendo precaria y sufrió de estrés hasta el final de su vida. Fue su gran carga.

Su dominio técnico fue parte de su leyenda. Más que cualquier fotógrafo creativo, se deleitaba en la teoría y la práctica del medio. Weston y Strand le consultaban con frecuencia para el asesoramiento técnico, esta le llevó a desempeñar el trabajo como consultor fotográfico de Polaroid y Hasselblad. Adams desarrolló el famoso "sistema de zonas" que sirve para controlar y relacionar la exposición y el revelado. Permite a los fotógrafos visualizar creativamente una imagen y producir una fotografía que refleje la realidad. Adams escribió diez volúmenes de manuales técnicos sobre fotografía, convirtiéndose en los libros más influyentes que se han escrito sobre este tema.

La energía y la capacidad para el trabajo de Adams eran simplemente colosal. A menudo trabajaba durante dieciocho o más horas al día, durante días y semanas. No tuvo vacaciones, y los domingos no existían para Ansel Adams. Con frecuencia, y después de un intenso período de trabajo, regresaba a San Francisco o Yosemite, para ver a la familia y amigos, ya que era un torbellino constante de la actividad social, amigos, y colegas. Esta vitalidad también se fue un poco reflejo del alcohol, por el que sentía un cariño especial. Como Beaumont Newhall escribe en “ENFOQUE: Memorias de una vida en Fotografía” (1993): 
Ansel fue un gran hombre juerguista y le encantaba entretener. Tenía una personalidad muy dominante, y siempre era el centro de atención.

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martes, 14 de abril de 2015

Histografía: Ansel Adams

1932. Rose and Driftwood


1932. Rose & Driftwood. Ansel Adams
1932. Rose & Driftwood. Ansel Adams


Aunque la transición de Ansel Adams de músico a fotógrafo no ocurrió de manera inmediata, su pasión si cambió rápidamente después de conocer a Bender. Además de pasar los veranos fotografiando la Sierra Nevada, Adams hizo varios viajes al suroeste trabajando con Mary Austin, la gran dama literaria. Su libro de edición limitada, “El pueblo de Taos”, fue publicado en 1930 y en este mismo año Adams conoció al fotógrafo Paul Strand, cuyas imágenes habían tenido un fuerte impacto en Adams y le habían ayudado a alejarse del estilo "pictórico" de la década de 1920. En este momento, Adams comenzó a perseguir la "fotografía directa”, cuya idea era conseguir claridad de la lente y que la impresión final no tuviera la apariencia de haber sido manipulada en la cámara o en el cuarto oscuro.

En 1927 Adams conoció al fotógrafo Edward Weston, se convirtieron en grandes amigos y colegas. En 1932 fundaron el grupo de renombre f / 64. Aunque era un grupo poco organizado y duro relativamente poco, f / 64 trajo una nueva visión de la fotografía directa y tuvo gran influencia nacional. El museo DeYoung, en San Francisco, realizó una exposición del grupo f / 64 y, en ese mismo año, dio a Adams su primera exposición convirtiéndose en la primera exposición monográfica del museo.

La fama de Adams aumentó rápidamente a principios de 1930, impulsado en parte por su capacidad y en parte por su energía y actividad. Visitó por primera Nueva York en 1933, para conocer al fotógrafo Alfred Stieglitz, artista más admirado por Adams. Su relación fue intensa y su correspondencia frecuente ya que intercambiaban ideas y opiniones. Adams pasó mucho tiempo en Nueva York durante los años 1930 y 1940, y el círculo de Stieglitz jugó un papel vital en su vida artística. En 1933 la Delphic Gallery dio Adams su primera exposición de Nueva York. Su primera serie de artículos técnicos fue publicado en la revista Camera Craft 934, y su primer libro publicado Making a Photograph apareció en 1935. Lo más importante, en 1936 Stieglitz dio a Adams la oportunidad de exponer en An American Place.

Más información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Ansel_Adams
http://www.anseladams.com

martes, 7 de abril de 2015

Histografía: Ansel Adams

1927. Parque Yosemite. California.


Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza.

Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente social y conservador. Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela.

Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928 y tuvieron 2 hijos.

El “The Sierra Club” es vital para el éxito temprano de Adams como fotógrafo. Sus primeras fotografías y escritos fueron publicados en 1922 en el boletín del club, y tuvo su primera exposición individual en 1928 en la sede de San Francisco del club. Cada verano el club realizaba un viaje de un mes de duración. Los participantes caminaban cada día a un nuevo y hermoso lugar, como fotógrafo de estas salidas, a finales de 1920, Adams comenzó a darse cuenta de que podía ganar lo suficiente para sobrevivir - en realidad, se dio cuenta de que era mucho más probable que prosperara como fotógrafo que como un concertista de piano. En 1934 Adams fue elegido director del club y ya sele conocía como el artista de la Sierra Nevada y el defensor de Yosemite.

1927 fue el año decisivo de la vida de Adams. Hizo su primera fotografía importante: “Monolith, la cara de la media bóveda”. Lo más importante es que estuvo bajo la influencia de Albert M. Bender, un magnate de los seguros de San Francisco y mecenas de las artes y artistas. Literalmente el día después de que se conocieron, Bender puso en marcha la preparación y publicación del primer libro de Adams, “Parmelian Prints of the High Sierras". La amistad y el apoyo financiero de Bender estímulo cambiaron dramáticamente la vida de Adams. Sus energías creativas y habilidades como fotógrafo florecieron, y él comenzó a tener la confianza y los medios para perseguir sus sueños. De hecho, el apoyo de Bender provocó la transformación de un pianista a un artista cuyas fotografías, que como escribió en 1992 el crítico Abigail Foerstner en el Chicago Tribune:
”hizo por los parques nacionales algo comparable con las epopeyas que hizo Homero por Odiseo ".
1927. Monolith, The Face of Half Dome. Ansel Adams
1927. Monolith, The Face of Half Dome

Más información:
Wikipedia Ansel Adams
Web Ansel Adams

martes, 31 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa. 1954

Su ultima fotografía.


1954. Convoy militar francés. Ruta del Nam Dihn en Thai Bihn. Vietnam

En abril de 1954, Robert Capa pasó tres semanas en Japón como invitado de la agencia de publicidad Mainichi Shimbun, con el fin de prestar asesoramiento en el lanzamiento de una nueva revista fotográfica. Durante su estancia, se dedicó a fotografiar niños en Tokio, Osaka, Kioto… Mientras estaba en Japón, la revista Life le propuso pasar un mes en Indochina para sustituir a un fotógrafo que había regresado a Estados Unidos y Capa aceptó. 

El 25 de mayo de ese mismo año, Capa acompañaba a un convoy francés en una misión de evacuación de dos puestos que habían quedado a merced del enemigo en el delta del río Rojo. Durante una pausa del viaje, Capa se adentró en uno de los campos aledaños a la carretera para fotografiar a un grupo de soldados franceses. Pisó una mina antipersona que le le voló la pierna y le produjo una grave herida en el pecho y murió en el acto.

De este modo se convirtió en el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y se terminó una azarosa vida profesional.

Su hermano, en el prólogo de “Ligeramente desenfocado” autobiografía de Capa, dejó escrito:

La vida de Robert Capa es un testamento de dificultades vencidas, desafíos superados y apuestas ganadas, salvo en su final, cuando pisó aquella mina en Indochina que puso fin a su oficio de testigo. Nacido sin medios para viajar y criado en un idioma poco útil más allá de las fronteras de su pequeño país, Hungría, consiguió experimentar el mundo a travesee de un medio de comunicación universal, la fotografía. Fue así capaz de comunicarse con todos nosotros, entonces y ahora.
Durante su corta estancia en nuestro mundo, vivió y amó mucho. Nació sin dinero y murió sin dinero. Lo que dejó atrás es la historia de su viaje irrepetible y un testimonio visual que reafirma su propia fe en la capacidad de los seres humanos para resistir y, a veces, triunfar.
Cornell Capa. (1999)

martes, 24 de marzo de 2015

Histografía: Robert Capa.1949

Cuando finalmente se cumplió su viejo sueño de ser un "fotógrafo de guerra en paro”, no por haber renunciado al oficio, sino a la ausencia de nuevos conflictos bélicos, llevó durante varios años una placentera vida cosmopolita en París. En 1947 creó, junto a sus amigos y fotógrafos Henri Cartier-Bresson, George Rodger, William Vandiver y David Seymour (Chim), la agencia Magnum Photos, una agencia de caracteres cooperativo. Capa ocupaba la mayoría de su tiempo en dirigir las oficinas de París y Nueva York. Dedicaba especial interés y entusiasmo a los fotógrafos jóvenes, a quienes invitaba a unirse a la agencia. Los trataba como una prolongación de su familia y se esforzaba en conseguir proyectos para ellos. Los animaba, los aconsejaba, les prestaba dinero e incluso les llevaba a fiestas o a cenar.

En 1946 Capa se había convertido en ciudadano estadounidense, pero permaneció en París entre finales de los años 40 y principios de los 50. En esta ciudad disfrutaba de una vida llena de glamour: tardes de carreras, noches en night-clubs rodeado de mujeres hermosas y eternas partidas de póker. Durante este periodo entabló amistad con John Huston, el actor Gene Kelly, Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck, entre otros.

A finales de los 40, Capa comenzó a colaborar en varios proyectos de amigos literarios. El verano de 1947 lo pasó viajando por la Unión Soviética junto a John Steinbeck. Fruto de este viaje fue el libro “Un diario ruso”, donde se yuxtaponían los textos de Steinbeck y las fotografías de Capa. En 1948 la revista “Holiday” envió a Capa y al periodista Theodore H. White a Hungría y a Polonia, y en 1949 Capa trabajó junto a Irwin Shaw en el libro “Report of Israel”.

1949. Mujer llevando el equipaje acompañada de un niño. Haifa. Israel. Robert Capa
1949. Mujer llevando el equipaje acompañada de un niño. Haifa. Israel

martes, 17 de marzo de 2015

Histografía:Robert Capa 1944

El día D

Soldado de primera clase Huston S. Riley. Desembarco de Normandia. 1944
Soldado de primera clase Huston S. Riley. Desembarco de Normandia. 1944

Durante la II Guerra Mundial, Robert Capa está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África.

El día D, 6 de junio de 1944, el día del desembarco aliado en la costa francesa, era una ocasión grandiosa e irrepetible. Allí estaba él con sus cámaras: la Rolleiflex con negativos de 6x6 cm y la Contax de 35 mm para capturar con rapidez los instantes decisivos de la batalla.

Desembarcó a las 6.30h de la mañana en la playa más complicada y sangrienta, la denominada Omaha, la que se atragantó a las tropas americanas y donde murieron buena parte de los soldados que caerían en la batalla de Normandía. Estuvo en tierra menos de hora y media, el tiempo suficiente para realizar un carrete con cada una de sus cámaras y volver hacia los barcos de retaguardia por donde había venido. No intentó recargar sus cámaras, una operación muy difícil en aquellas circunstancias, hasta que se encontró de regreso en una lancha de desembarco rumbo hacia un barco nodriza. Había tomado 72 imágenes y dijo más tarde...
…a las 4:00 am nos reunimos en cubierta. Dos mil hombres de pie en completo silencio. Cualquier cosa en la que pensaran debía ser alguna forma de plegaria (...) nos bajamos del bote y comenzamos a andar. entonces vi a los hombres caer y debí empujar sus cadáveres para seguir. Las balas hacían huecos en el agua a mi alrededor y debí ocultarme tras el primer obstáculo de acero que vi. Mis encuadres estaban por completo llenos de humo de mortero, tanques quemados y botes que se hundían. Cada pedazo de mortero chocaba con el cuerpo de algún hombre. Tome foto tras foto enloquecidamente.
Robert Capa llegó a Inglaterra la mañana del 7 de junio y desde Weymouth se despacharon los carretes hasta Londres, donde el equipo de la revista Life estaban esperándolos muy nerviosos porque la agencia Acme ya había difundido las primeras imágenes de las playas, tomadas por Bert Brandt. Con las películas ya en su poder, Morris (editor de Life y jefe de Capa) puso en marcha todo el proceso para llegar al cierre de la revista. Sin embargo, con las prisas y la presión, se produjo el desastre: el técnico de laboratorio se equivocó y las dejó en la secadora con la puerta cerrada y la emulsión se estropeó. Sólo se salvaron once fotos, conocidas como "las once magníficas". Y aquella tragedia, una vez más, jugó a favor de Capa. Cuantas menos fotos, más importancia adquirían las que se salvaron. Y además estaban justo ligeramente movidas y desenfocadas, el consejo que daba a sus compañeros para que sus imágenes adquirieran mucho mayor dramatismo de cara a los editores.

En sus memorias “Ligeramente desenfocado", editado por La Fábrica, Capa comenta sobre lo ocurrido…
…Siete días más tarde me enteré de que las fotografías que había tomado en Easy Red se consideraban las mejores del desembarco. Sin embargo, un asistente de laboratorio había aplicado demasiado calor al secar los negativos; las emulsiones se fundieron y se destintaron ante los ojos de toda la oficina de Londres.
Se publicaron por primera vez en Life el 19 de junio de 1944 bajo la leyenda “ligeramente desenfocado”, descripción que luego usaría a modo de título el propio Capa para sus memorias.. Son apenas trazos borrosos de aquellas escenas apocalípticas. Sólo en una de ellas, la más famosa, se puede identificar un rostro, el del soldado de primera clase Huston S. Riley, que sobrevivió a esta sanguinaria batalla y que al terminar la guerra se estableció en una isla cerca de Seattle.


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martes, 24 de febrero de 2015

Histografía: Henry Cartier-Bresson. Después de la fotografía.

El ultimo gran proyecto de Cartier-Bresson fue en la primavera de 1968, donde recorre toda Francia para realizar un gran retrato del país. Con un vehículo prestado por su editor y con el escritor François Nourissier, como único acompañante, recorre el país en 20 meses, entreteniéndose en cualquier detalle que se pueda incluir en el retrato fotográfico de la vida francesa. A pesar de la calidad de las fotografías y textos, el libro “Vive la France” no fue un éxito porque la maquinación era vulgar, estaba mal secuenciado y para colmo de Cartier-Bresson, el encuadre de sus imágenes no era el correcto, hecho que le molestaba mucho al fotógrafo, no dejaba reencuadrar una toma, lo que había en el negativo era lo que tenia que salir.

Durante esta época, se asocia con otros grandes de la fotografía: Doisneau, Ronis o Izis, y se autodenominan fotógrafos humanistas, hecho que los aleja de los jóvenes que se oponen precisamente a esa tradición francesa. Empieza a manifestar su desacuerdo con la agencia Magnum considerando que se esta alejando de los ideales con los que fue creada. Según Cartier-Bresson los trabajos se realizan desde un punto de vista comercial y publicitario, y es en este momento donde renuncia a sus derechos de socio, aunque deja sus archivos al cuidado de la agencia.

Poco después abandona el reportaje fotográfico, aunque con alguna que otra excepción, un ejemplo fue la investidura de François Mitterrand, donde imita la postura provocadora de la coronación de Jorge VI, toma fotografías de los cocineros que observan la llegada del nuevo inquilino del Elíseo.

Aunque haya dejado de trabajar como reportero, no abandona su Leica, sigue fotografiando a escondidas, toma fotos de su mujer Martine Franck, de su hija Mélanie, de sus amigos, de paisajes o de las vista que hay desde su ventana. Cartier-Bresson llega a escribir a su amigo Sam Szafran “mi Leica duerme casi todo el tiempo”.

Desde que deja la fotografía publica más libros que nunca y se ocupa de vender copias en papel de sus fotografías. Animado por sus amigos retoma su pasión, la pintura. Durante las tres ultimas décadas de su vida expondrá regularmente sus dibujos, y en ocasiones junto con sus fotografías. En su fuero interno, ambos medios son distintos:
“ Para mí la fotografía es el impulso momentáneo de una atención visual perpetua que capta e instante y su eternidad. El dibujo, elabora lo que nuestra consciencia ha captado en ese instante. La foto es una acción inmediata; el dibujo, una meditación.Ahora que me he puesto a dibujar, sólo he cambiado de herramienta, pero lo importante sigue siendo la observación.”

El 3 de agosto de 2004, Henri Cartier-Bresson fallece en su casa de la Provenza a los 95 años. Es enterrado en la más estricta intimidad. En las semanas siguientes, la prensa internacional le rinde un homenaje unánime. El periódico francés Le Parisien aparece con el titular: “muere un gigante de la fotografía”, Le Soir de Bruselas: “Cartier-Bresson apaga su Leica” y el Frankfurter Rundschau, periódico alemán, dice: “el ojo del siglo se ha cerrado”.

La repercusión de su fallecimiento da una idea del lugar que ocupaba en los medios de comunicación y el arte. Se ha convertido en una de las grandes figuras del siglo XX, un hecho sin precedentes para un fotógrafo.

En 1992, Martine Franck, fotografa y esposa, toma este bello retrato de Henri Cartier-Bresson. Esta dibujando su propio rostro con la ayuda de un espejo colgado en la ventana de su piso de la calle Rivoli, desde la que se puede ver el jardín de las Tullerias que tanto le gustaba pintar.

viernes, 6 de febrero de 2015

Enfocando a... Anne W. Brigman

Anne W. Brigman fue una actriz, poeta y fotógrafa estadounidense, nacida en 1869 en Hawai y fallecida en Los Ángeles, el 8 de febrero de 1950. Fue componente del grupo Photo-Secession y una reconocida fotógrafa pictorialista. Su obra más personal fue el desnudo femenino en paisajes naturales. Su fotografía más significativa fue “Soul of the Blasted Pine” (el alma del pino herido), un autorretrato realizado en 1908. 

El alma del pino herido por un rayo


El alma del pino herido por un rayo
Soul of the Blasted Pine

La mujer del árbol es una ninfa de los árboles de la mitología clásica que sufre el infortunio de su huésped en las montañas de California. Según los relatos antiguos, estas ninfa morían cuando sus árboles se pudrían. Brigman tomó muchas fotografías de este tipo en la zona del lago Donner, en las Sierras de California. Utilizaba a sus amigas, su hermana o su madre como modelos. Describió los árboles de California como “gigantes achaparrados, retorcidos y desgarrados con el empuje de los vientos dominantes” y recordó hasta qué punto se había quedado petrificada y poseída por el espíritu del lugar que pudo visualizar “la forma humana como parte de los ritmos de los árboles y las rocas”. Lo que confiere una convicción particular a una obra que de otro modo podría parecer artificioso es una poderosa sensación de mortalidad. En 1909-1910, Brigman fue bien acogida en el circulo de Alfred Stieglitz en Nueva York, en parte “por su extraño” acento californiano.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
Olivo Barbieri
Fred Holland Day
Darius Kinsey
Alfred Stieglitz
Wolfgang Tillmans
Jerry Uelsmann

Más información:
http://en.wikipedia.org/wiki/Anne_Brigman