viernes, 27 de febrero de 2015

Enfocando a... Willard van Dyke


Willard van Dyke (1906-1986) fue un fotógrafo y cineasta americano que creía que la fotografía debería tener una mayor influencia en el mundo y que el cine podría cambiarlo.

Conductos de ventilación. Gelatinobromuro (1932)


Conductos de ventilación. Van Dyke

La composición de Van Dyke pide al espectador que trace el mapa de un espacio que a primera vista es perfectamente sencillo. El conducto de ventilación de la izquierda parece estar más cerca de nosotros que el tubo con tapa de la derecha, pero no se puede afirmar con certeza debido a la ausencia de un plano o de detalles contextuales. A Van Dyke y a sus precursores, como Paul Stand en la década de los años 20, les gustaba ocultar las coordenadas en las imágenes de maquinaria como esta, para que el espectador no tuviera otra opción que convertirse en topógrafo de superficies abstractas e involucrarse así en hechos en vez de sentimientos.

¿Quin es van Dyke?

Realizó estudios en la Universidad de California y en 1929 entró como aprendiz de fotografía con Edward Weston. Durante esta época, colaboró en revistas como Harper's Bazaar, Life y Architectural Forum. En 1932 fue cofundador del Grupo f/64 junto a Ansel Adams e Imogen Cunningham entre otros, que propugnaba la fotografía “directa” en oposición al pictorialismo “desvitalizado” que entonces era la norma en California. A medida que avanzaba los años 30, Van Dyke dirigió su atención a las personas que durante la “gran depresión” hacían cola en los comedores sociales y a finales de esta década comenzó a dedicarse al cine realizando una serie de reportajes de tipo social. Su primer gran trabajo fue como cámara en la película The River y después comenzó su trabajo como productor en The City y los documentales Valleytown y The Bridge, hasta realizar la película Skyscraper en 1960 que fue premiada en el Festival de cine de Venecia.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:


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miércoles, 25 de febrero de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo: La vida secreta de Walter Mitty (2013)

Hoy toca un película actual: La vida secreta de Walter Mitty (2013), protagonizada y dirigida por Ben Stiller (Water), KristenWiig (Cheryl) y Sean Penn (Sean O’Connell).

Walter Mitty trabaja en el departamento de negativos fotográficos de la revista Life. Sus días son monótonos y aburridos, pero gracias a su imaginación se traslada a escenarios imaginarios, llenos de acción y heroísmo, alejados de su realidad mundana. La única que alegra su rutina diaria es Cheryl, una mujer que ha comenzado recientemente a trabajar en la oficina.

La revista, que va a dejar de ser impresa para convertirse en un medio online, está preparando su último número, mientras los despidos se convierten en algo habitual. La responsabilidad de la fotografía que irá en la portada final recae sobre Mitty, quien debe entregar el negativo que el reconocido fotógrafo Sean O'Connell le ha enviado por correo.

Sin embargo, ese negativo en particular falta en el paquete y Mitty tiene que salir en su búsqueda ya que no hay una dirección física donde buscar al fotografo. Usando los otros negativos como pistas y pasando por unas cuantas pruebas/aventuras, Mitty deduce donde se encuentra O’Connell. Cuando da con este, le pregunta por el negativo que falta y O’Connel le responde que esta en la cartera que le había regalado. De vuelta a Nueva York, Mitty va a casa de su madre que le entrega la cartera y sin mirar la foto, Mitty la lleva a Life.

Si no has visto la película no te desvelare el final, pero si la has visto… que te ha parecido? A mi me engancho desde el primer momento, no solo por la trama, sino por la fotografía, esos paisajes, como cambia de un entorno “callejero” a la pura naturaleza sin apenar apreciarlo.

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Imagenes:

La vida secreta de Walter Mitty
La vida secreta de Walter Mitty

La vida secreta de Walter Mitty

La vida secreta de Walter Mitty




martes, 24 de febrero de 2015

Histografía: Henry Cartier-Bresson. Después de la fotografía.

El ultimo gran proyecto de Cartier-Bresson fue en la primavera de 1968, donde recorre toda Francia para realizar un gran retrato del país. Con un vehículo prestado por su editor y con el escritor François Nourissier, como único acompañante, recorre el país en 20 meses, entreteniéndose en cualquier detalle que se pueda incluir en el retrato fotográfico de la vida francesa. A pesar de la calidad de las fotografías y textos, el libro “Vive la France” no fue un éxito porque la maquinación era vulgar, estaba mal secuenciado y para colmo de Cartier-Bresson, el encuadre de sus imágenes no era el correcto, hecho que le molestaba mucho al fotógrafo, no dejaba reencuadrar una toma, lo que había en el negativo era lo que tenia que salir.

Durante esta época, se asocia con otros grandes de la fotografía: Doisneau, Ronis o Izis, y se autodenominan fotógrafos humanistas, hecho que los aleja de los jóvenes que se oponen precisamente a esa tradición francesa. Empieza a manifestar su desacuerdo con la agencia Magnum considerando que se esta alejando de los ideales con los que fue creada. Según Cartier-Bresson los trabajos se realizan desde un punto de vista comercial y publicitario, y es en este momento donde renuncia a sus derechos de socio, aunque deja sus archivos al cuidado de la agencia.

Poco después abandona el reportaje fotográfico, aunque con alguna que otra excepción, un ejemplo fue la investidura de François Mitterrand, donde imita la postura provocadora de la coronación de Jorge VI, toma fotografías de los cocineros que observan la llegada del nuevo inquilino del Elíseo.

Aunque haya dejado de trabajar como reportero, no abandona su Leica, sigue fotografiando a escondidas, toma fotos de su mujer Martine Franck, de su hija Mélanie, de sus amigos, de paisajes o de las vista que hay desde su ventana. Cartier-Bresson llega a escribir a su amigo Sam Szafran “mi Leica duerme casi todo el tiempo”.

Desde que deja la fotografía publica más libros que nunca y se ocupa de vender copias en papel de sus fotografías. Animado por sus amigos retoma su pasión, la pintura. Durante las tres ultimas décadas de su vida expondrá regularmente sus dibujos, y en ocasiones junto con sus fotografías. En su fuero interno, ambos medios son distintos:
“ Para mí la fotografía es el impulso momentáneo de una atención visual perpetua que capta e instante y su eternidad. El dibujo, elabora lo que nuestra consciencia ha captado en ese instante. La foto es una acción inmediata; el dibujo, una meditación.Ahora que me he puesto a dibujar, sólo he cambiado de herramienta, pero lo importante sigue siendo la observación.”

El 3 de agosto de 2004, Henri Cartier-Bresson fallece en su casa de la Provenza a los 95 años. Es enterrado en la más estricta intimidad. En las semanas siguientes, la prensa internacional le rinde un homenaje unánime. El periódico francés Le Parisien aparece con el titular: “muere un gigante de la fotografía”, Le Soir de Bruselas: “Cartier-Bresson apaga su Leica” y el Frankfurter Rundschau, periódico alemán, dice: “el ojo del siglo se ha cerrado”.

La repercusión de su fallecimiento da una idea del lugar que ocupaba en los medios de comunicación y el arte. Se ha convertido en una de las grandes figuras del siglo XX, un hecho sin precedentes para un fotógrafo.

En 1992, Martine Franck, fotografa y esposa, toma este bello retrato de Henri Cartier-Bresson. Esta dibujando su propio rostro con la ayuda de un espejo colgado en la ventana de su piso de la calle Rivoli, desde la que se puede ver el jardín de las Tullerias que tanto le gustaba pintar.

lunes, 23 de febrero de 2015

Resultado de los Oscar 2015

BirdmanLa película que ha triunfado estos Oscars 2015 ha sido Bridman. Se ha alzado con 4 premios, entre ellos dos de los más codiciados, mejor director y mejor película.

La película de habla no inglesa no podía haber sido otra que "Ida". Esa imagen en blanco y negro tenia que ser premiada... :)

El mejor director de fotografía ha sido Emmanuel Lubezki por Birman, Personalmente me gustaba más Ida, por el blanco y negro, pero si se lo ha llevado será por algo no?

Para Emmanuel es el segundo Oscar, el año pasado se alzó con el por la fotografía de Gravity, sin olvidar que ha estado nominado cinco veces mas por A Little princess, Sleepy Hollow, The new world, Children of Men, The tree of life.
Emmanuel Lubezki

Toda la información de los Oscar en: Oscar 2015

viernes, 20 de febrero de 2015

Enfocando a... Robert Demachy

Robert Demachy (1859-1936) fue un fotógrafo francés que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras proporcionándoles un acabado similar a las pinturas. Cualquiera que sea el tema, sus figuras siempre se funden con la atmósfera que las rodea.

En la hierba. Impresión al óleo (1902)


En la hierba. Impresión al óleo (1902). Demachy
En la hierva. Demachy. 1902

La muchacha vestida de blanco está leyendo en una pradera. Al mirarla es fácil imaginar cómo seria el estar así tendido en el campo. En esta imagen vemos la tendencia de fusionar las figuras humanas con los fondos de Demachy, para él es una manera de demostrar que los modelos están hechos de la misma materia que la naturaleza. Hizo muchas fotografías de mujeres en paisajes y de la vida rural. 

¿Quien es Demachy?

Demachy, nació el 7 de julio de 1859 en Saint-Germain-en-Laye en el seno de una familia adinerada con negocios financieros. Al poco de nacer, su familia regresó París donde recibió una educación excelente en el colegio de los jesuitas. A mitad de la década de 1870 descubre la fotografía y se apasiona por ella. Desde ese momento dedica su tiempo a la misma, realiza tomas fotográficas y se dedica a escribir sobre ella. Aunque nunca trabajó como un profesional de la fotografía la dedicaba la mayor parte de su tiempo.

Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatada introducido por A. Rouillé-Ladevèze en el Salón de París. Desarrolló un estilo que basado en la manipulación de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y el positivo en papel. Estas ideas, que él mismo había experimentado, las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bicromatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única.

En 1897 publicó su primer libro junto a Alfred Maskell, y durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y convirtiendose en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones.

Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. Murió de ateroesclerosis el 29 de diciembre de 1936, y días antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus exposiciones.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:
George Davison
Hugo Erfurth
Theodor y Oscar Hofmeister
Federico Patellani

Más información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Demachy

jueves, 19 de febrero de 2015

Oscar mejor fotografía 2015

Análisis de los nominados a mejor director de fotografía de los Oscar 2015. Este año las películas nominadas son:

▪ Birdman de ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU
▪ El gran hotel Budapest de WES ANDERSON
▪ Ida de PAWEL PAWLIKOWSKI
▪ Mr. Turner de MIKE LEIGH
▪ Invencible de ANGELINA JOLIE

No hay una preferencia, así que hablaremos por orden alfabético.

Birman. Emmanuel Lubezki.

Nacido en la Ciudad de México en 1964, en el seno de una familia judía, se dedica al cine como fotógrafo, productor y director. Es apodado el Chivo. Estudió historia y cinematografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y ha trabajado con directores de la talla de Tim Burton, Michael Mann, Alejandro González Iñárritu, Terrence Malick y Alfonso Cuarón.

En México, recibió el premio Ariel por su trabajo en la película Como agua para chocolate, en 1992. Los dos años siguientes continuó ganando el Ariel, por su trabajo en las películas Miroslava y Ámbar. Ganó el premio Oscar por su trabajo como Director de Fotografía en Gravity y ha sido nominado, también como Director de Fotografía, seis veces por su trabajo en A Little princess, Sleepy Hollow, The new world, Children of Men, The tree of life y Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia). Es ganador de tres premios BAFTA por Chilfren of Men (2006), Gravity (2013) y Birman (2014), además de dos Critics' Choice Movie Awards por Gravity (2013) y Birdman (2014).
Adicionalmente, ha ganado premios en Japón (Tokio International Film Festival, por Como agua para chocolate, en 1992), Cuba (Premio Coral por Miroslava) y el Reino Unido (BSFC por Sleepy Hollow en 1999). Vive en Estados Unidos desde 1995.

Imágenes de la película:



El gran hotel Budapest. Robert Yeoman.

Nacido en Pensilvania en 1952, pasó su infancia en los suburbios de Chicago. En 1973 obtuvo la licenciatura en Artes de la Universidad de Duke y en 1979 terminó un master en Bellas Artes en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad de California del Sur.
Robert Yeoman
Robert Yeoman


Su primer trabajo fue como segundo ayudante del director de fotografía en la película To live and die in LA de William Friedkin (1986). Luego participo en muchas películas independientes como Gus Van Sant’s Drugstore Cowboy, por la que recibió el premio Independent Spirit Award for Best Cinematography. Ha trabajado en todas las películas de acción de Wes Anderson: Bottle Rocket (1996), Rusmore (1998) y The Royal Tenenbaums (2001). Ademas a trabajado como director de fotografía en The Life Aquatic with Steve Zissou (2004), The Darjeeling Limited (2007), Moonrise Kingdom (2012) y The Grand Budapest Hotel (2014), con la que esta nominado a los Oscar 2015.

Más información: http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Yeoman

Imágenes de la película:
Escena Grand Hotel Budapest

Escena Grand Hotel Budapest

Escena Grand Hotel Budapest


Ida. Lukasz Zal y Ryszard Lenczewski

Łukasz Żal. Nacido el 24 de junio 1981 en Koszalin , Polonia. Se graduó en la Escuela Nacional de Cine de Lodz en 2007.

Ryszard Lenczewski. Nacido el 05 de junio 1948 en Miłków, Baja Silesia , Polonia. Ha sido el director de fotografía de los cuatro largometrajes del director Pawel Pawlikowski. 

Aclamados por la crítica por su trabajo en la película Ida con la que han ganado premios en muchos festivales: 

▪ 2014 Premio Carlo di Palma a la mejor fotografía europea en 27o Premios del Cine Europeo
▪ Mejor Fotografía en San Francisco Film Critics Circle Premios 2014
▪ Rana de Oro a la Mejor Cinematografía en el 21 Camerimage
▪ Yury Marukhin Memorial Award a la Mejor Fotografía en el 20 Listapad
▪ Mejor Fotografía en 38o Festival de Cine de Gdynia

Más información: Lukasz Zal y Ryszard Lenczewski

Lukasz Zal
Ryszard Lenczewski
Ryszard Lenczewski
 Imágenes de la película:

Escenas película Ida

Escenas película Ida

Escenas película Ida

Invencible. Roger Deakins

Nació y creció en Torquay, Devon, Inglaterra, el 24 de mayo de 1949. De adolescente, Roger pasaba la mayor parte de su tiempo, dentro y fuera de la escuela, centrándose en su mayor interés: la pintura. Varios años después, ingresó a la escuela de arte y diseño de la ciudad de Bath, donde estudió diseño gráfico. Mientras estudiaba en Bath, Roger descubrió su atracción por la fotografía. Fue un fotógrafo de gran talento, lo que luego le permitiría crear un documental fotográfico de Torqueay, su ciudad natal. Más tarde, fue transferido a una escuela de cine y televisión de Inglaterra (National Film and Television School). Inmediatamente después de graduarse, Roger encontró trabajo como camarógrafo, asistiendo en la producción de documentales, durante aproximadamente siete años.
Roger Deakins


El primer trabajo de de Roger como director de fotografía en Estados Unidos fue en la película Mountains of the Moon (1990). Más tarde comenzó con su primera colaboración con los hermanos Coen, en el año 1991 en la película Barton Fink. Desde ese momento, se convirtió en el director de fotografía de los hermanos Coen.

Recibió su primer premio importante por parte la American Society of Cinematographers por su trabajo en la fotografía de The Shawshank Redemption (Sueños de libertad/Cadena Perpetua). La ASC continuó valorando su trabajo en producciones posteriores como Fargo, Kundun, O Brother, Where Art Thou? por las que fue nominado, y El hombre que nunca estuvo allí por la cual ganó el premio por segunda vez. En 2008, Roger se transformó en el primer director de fotografía en la historia en recibir dos nominaciones de la ASC, por su trabajo en El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford y No Country for Old Men. Además recibió nominaciones para los premios Óscar por su trabajo en ambas película. Roger Deakins ha recibido siete nominaciones a los premios Oscar.

Más información: http://es.wikipedia.org/wiki/Roger_Deakins

Imágenes de la película:
Escenas película Unbroken

Escenas película Unbroken

Escenas película Unbroken


Mr Tuner. Dick Pope

Richard “Dick” Pope nació en Kent, Inglaterra en 1947. Es miembro de Member of the British Society of Cinematographers y ha trabajado en numerosas películas del director británico Mike Leigh como director de fotografía.
Ha sido nominado dos veces a los oscar por el Ilusionista (2007) y Mr Turner (2014), ademas de numerosos premios de renombre como los Golden Frog por Nothing Personal (1995), los BAFTA por Porterhouse blue (1988) y a los American Society of Cinematographers por The Illusionist (2007). Cuanta en su haber con varios premios del sector: mejor director de fotografía del festival de Sitges por The Reflecting skin (1990), 2 Golden Frog por Secrets & lies’ (1996) y Vera Drake (2004). Con la película The Illusionist ganó el premio de mejor fotografía en San Diego Film Critics Society Awards y la Silver Frog (2007) además de ganar el Vulcan Award del Festival de Cannes por Mr. Turner (2014).

Más información: http://en.wikipedia.org/wiki/Dick_Pope_(cinematographer)

Imágenes de la película:

Escena película Mr Turner

Escena película Mr Turner

Escena película Mr Turner

La cosa esta muy reñida, todas son buenas fotográficamente hablando así que gane la mejor. Mi favoritas son Ida porque el blanco y negro en digital es difícil de trabajar y Mr Turner porque han sabido trabajar muy bien la iluminación de la época, tanto en interior como en exteriores.
Y las vuestras?? 

miércoles, 18 de febrero de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo: War Photographer (2001)

Película/documental sobre el fotógrafo estadounidense James Nachtwey. En ella vemos cual es su motivación, sus miedos y su rutina diaria como fotógrafo de guerra. Las películas de Hollywood nos dicen o quieren mostrar que los fotógrafos de guerra son tipos duros, pero…¿Cómo pueden pensar en el diafragma correcto cuando se esta produciendo un ataque?


El director suizo Christian Frei acompañó a James Nachtwe durante dos años en las guerras de Indonesia, Kosovo, Palestina… y ha conseguido que veamos al fotógrafo buscando el momento decisivo, escuchamos su respiración, parece que estamos con el en el campo de batalla, para recoger todas estas sensaciones utilizó micro cámaras unidas a las cámaras del fotógrafo.

Por primera vez vemos la realidad del trabajo de un fotógrafo de guerra. Los peligros a los que se expone por conseguir una buena imagen.

El documental tiene en su haber muchos premios y como culminación fue nominado en 2002 al Óscar al mejor documental largo.








"Every minute I was there, I wanted to flee.
I did not want to see this.
Would I cut and run, or would I deal with
the responsibility of being there with a camera"

(James Nachtwey)


Más información:
Página oficial
Información pélicula

Imágenes de la pélicula:

Escenas War photographer

Escenas War photographer

Escenas War photographer

Escenas War photographer

martes, 17 de febrero de 2015

Histografía: Henry Cartier-Bresson. 1948

La noche del 30 de enero de 1948, mientras la muchedumbre empieza a agolparse ante Birla House, Cartier-Bresson fotografía en anuncio del asesinato de Gandhi por Nehru, un extremista hindú.

En febrero de 1947, Cartier-Bresson inaugura su primera gran retrospectiva institucional en el Museum of Modern Art de Nueva York. Unos meses después, junto con Robert Capa, David Seymour, George Rodger y William Vandivert, funda Magnum, la agencia que rápidamente se convertirá en uno de los referentes mundiales en el campo del fotorreportaje de calidad. Tras su exposición en el MoMA, Cartier-Bresson habría podido optar por ser meramente artista; sin embargo, decide hacerse reportero y se embarca en la aventura de Magnum. A partir de 1947 y hasta principios de la década de 1970, realiza multitud de viajes y reportajes en prácticamente todos los rincones del planeta, y trabaja para casi todas las grandes revistas ilustradas internacionales. Pese a las limitaciones que le impone la prensa, los cortísimos plazos inherentes al sistema mediático y las contingencias del trabajo por encargo, Cartier-Bresson logrará mantener un nivel de excelencia intachable en su producción fotográfica de esas décadas de reportero.

El 30 de enero se reúne con Gandhi unas horas antes del asesinato de éste. Cartier-Bresson a menudo contaba que Gandhi, mientras ojeaba un catalogo de su obra expuesta en el MoMa, se detuvo ante el retrato de Paul Claudel al lado de un coche fúnebre, y después de preguntar que significaba esa imagen exclamó: “¡La muerte, la muerte, la muerte!”. Menos de una hora después, Gandhi fue asesinado por un extremista hindú. En los días posteriores, Cartier-Bresson cubre los funerales de un modo reflexivo, construyendo su reportaje sobre un encadenamiento fluido de momentos impactantes. Capta las distintas fases de la ceremonia, la incineración y la dispersión de las cenizas en el Ganges. A diferencia de su reportaje de la coronación de Jorge VI en 1937, en Inglaterra, donde se aparto del cortejo rea para fotografiar los rostros de las masas, en el entierro de Gandhi retrata el elemento central del acontecimiento. Ya no es un fotografo surrealista, y provocador, sino un fotoperiodista que responde a las exigencias de la información. Los grandes periódicos internacionales saben que se encuentra en el lugar y se disputan la exclusiva de su reportaje. Sus instantáneas se venden al mejor postor y dan la vuelta al mundo.

El 3 de diciembre, aprovechando su estancia en Asia, la revista Life lo envía a Pekín en el momento en que el Ejército Popular de Liberación, dirigido por Mao Zedong (Mao Tse-Tung), está a punto de derrocar al Gobierno nacionalista de Chiang Kai-shek.

En 1952 vuelve a Francia y posteriormente se traslada a la URSS, convirtiéndose en el primer fotógrafo occidental autorizado a viajar por el territorio soviético, donde fotografía el pueblo ruso después de la muerte de Stalin, ya que occidente reclama fotografías del país que había estado cerrado a la mirada extranjera durante años. Siguen varios viajes de larga duración por la República Popular China, Cuba, México, Canadá y Japón.

Durante esta época publicó su primer libro “Imagen à la Sauvette”, no fue el único, cuya cubierta la realiza Henri Matisse, y de inmediato se convierte en una obra de referencia. Nace la teoría del “instante decisivo”: La fotografía debe ser capaz de coger la vida por sorpresa, en su despertar, y las imágenes han de fijar esos instantes en los que el mundo parece organizarse según un encadenamiento de formas precisas, lleno de sentido; en suma, perfecto.


Nuestro ojo debe medir constantemente, evaluar. Modificamos las perspectivas mediante una ligera flexión de las rodillas, provocamos coincidencias de líneas mediante un sencillo desplazamiento de la cabeza de una fracción de milímetro, pero todo esto, que sólo se puede hacer con la rapidez de un reflejo, nos evita, afortunadamente, la pretensión de hacer “Arte”. [Henri Cartier-Bresson].

lunes, 16 de febrero de 2015

Ley de los tercios

La regla de los tercios es el principio más conocido dentro de la composición fotográfica, además de una de las primeras reglas que debe aprender/aplicar un fotógrafo.

El principio básico es partir la imagen en nueve partes iguales como se muestra en la imagen:



Vemos que hay cuatro líneas y cuatro puntos de corte que corresponden a los puntos importantes donde hay que encuadrar la imagen. La teoría dice que se debe colocar los objetos a lo largo de estas líneas o puntos para que la toma sea equilibrada. Los estudios han demostrado que la visión de las personas suele ir a uno de estos puntos, y no al centro de la toma, como la mayoría de las personas se cree.

Aquí os dejo unos ejemplos:



Cuando se esta haciendo la fotografía es obvio que no tenemos estas líneas, por lo que hay que imaginárselas (algunas cámaras tienen la opción que verlas en el visor). Al principio es complicado, pero enseguida te acostumbras y se convierte en algo intuitivo.

Si quieres empezar ya a aplicar esta ley debes preguntarte a ti mismo:
  • ¿Cuales son los puntos importantes de la foto?
  • ¿Donde los voy a colocar?
Además, si quieres ver como afecta esta ley en alguna de tus fotos, te propongo que cojas algunas fotografías tuyas antiguas e intentes aplicarla, ¿como? editándolas con las herramientas de cortar, girar…

Las reglas están para romperse, si, pero antes de romperlas hay que saber usarlas, para poder tener mayor libertad y saber cuando y como romperlas. ¿Te atreves?

viernes, 13 de febrero de 2015

Enfocando a... Steven Meisel

Steven Meisel es un fotógrafo de moda estadounidense que se hizo conocido por su trabajo en la revista Vogue —ediciones italiana y estadounidense— y por las fotografías que hizo a su amiga Madonna para en el libro Sex, en 1992. En la actualidad, es considerado uno de los mejores fotógrafos de moda, y colabora activamente en las revistas Vogue y W, ambas editadas por Condé Nast Publications.

Steven Meisel firma todas las portadas de Vogue Italia desde hace 25 años en exclusiva (lo que suma cerca de 300 portadas con sus correspondientes editoriales) y es una de las figuras más misteriosas de la industria de la moda. Su esfuerzo por mantenerse alejado de los focos marca la personalidad de este influyente fotógrafo. Apenas se conocen imágenes suyas, y en las pocas que hay, suele aparecer con gafas de sol. Sólo se ha dejado fotografiar en la primera fila de un par de desfiles, en contadas fiestas, y en compañía de Linda Evangelista. Annie Leibovitz consiguió retratarle para una campaña de Gap. Y para verle en vídeo hay que recurrir a una escena de Portfolio, la película de 1983 sobre el mundo de la moda.

Estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño y en la Nueva Escuela de Diseño Parsons. Allí acudió a diversos cursos, sin embargo, se graduó sólo en Ilustración de Moda. Uno de sus primeros trabajos fue como ilustrador del diseñador Halston. Pasado un tiempo, entró a trabajar como ilustrador en el periódico de modas Women's Wear Daily, un día le mandaron a trabajar a la agencia de modelos Elite, donde dos chicas que estaban en ese momento le dejaron tomar fotografías a algunas de las modelos. Meisel jamás pensó que llegaría a convertirse en fotógrafo. Admiraba a artistas como Jerry Schatzberg, Irving Penn, Richard Avedon y Bert Stern, y fue de este modo que comenzó en el mundo de la fotografía. Entre semana trabajaba en Women's Wear Daily y los fines de semana trabajaba con las modelos. Las fotografiaba en su apartamento de Nueva York o en la calle. Algunas de estas modelos llevaron sus fotografías a la revista Seventeen, donde los encargados de la publicación, después de ver estas fotos, llamaron a Meisel y le propusieron trabajar con ellos.

Sin titulo, Editorial para Vogue. 1996



Dos elegantes mujeres tocadas con casquetes están sentadas a una mesa en un escenario compuesto con gran cuidado. Todas las referencias que muestra Meisel en esta fotografía apuntan al modernismo. Su color, pastel y granulado, recuerda los autocromos de los primeros años del siglo XX y a la fotografía en color de Jacques-Henri Lartigue. El mobiliario liso es también modernista, como lo es el telón de fondo arquitectónico.

Tomada para la edición italiana de Vogue y publicada en octubre de 1996 junto con un artículo titulado “neo-fashion”, la fotografía pretende invocar una serie de estilos modernistas, sólo por el placer del reconocimiento. La moda supone una coincidencia de estilos recuperados a sabiendas o no. Meisel pide a sus espectadores que piensen en sí mismos como personas doctas y refinadas.

Otros fotógrafos con el mismo enfoque:

Más información:

jueves, 12 de febrero de 2015

Universo Prada

Prada ha puesto online todas sus imágenes. Los archivos se remontan al año 1987 y son imágenes en alta resolución y corresponden a las campañas, editoriales de moda, etc. de todos estos años. Las fotografías corresponden a fotógrafos de moda importantes en cada época, desde Albert Watson, pasando por Glen Luchford hasta Steven Meisel.

Aqui os dejo algunos ejemplos, pero podréis ver todos en: Archivo de Prada

1987. Fotógrafo: Albert Watson. Modelo: Amira Casar


1995. Fotógrafo: Glen Luchford. Modelo: Esther de Jong

1998. Fotógrafo: Norbert Schoerner. Modelo: Freddy Drabble

2002. Fotógrafo: Steve Meisel
2015. Fotógrafo: Steve Meisel. Modelo: Julia Nobis.


miércoles, 11 de febrero de 2015

Películas que debería ver un fotógrafo: La ventana indiscreta

Cartel de la película La ventana indiscreta
Cartel La ventana indiscreta

Un reportero fotográfico se ve obligado a permanecer en reposo con una pierna escayolada. A pesar de la compañía de su novia y de su enfermera, procura escapar del aburrimiento observando desde la ventana de su apartamento con unos prismáticos o una cámara lo que ocurre en las viviendas de enfrente. Debido a una serie de extrañas circunstancias empieza a sospechar de un vecino cuya mujer ha desaparecido.

La ventana indiscreta (Rear Window) esta basada en el cuento It Had to Be Murder, de Cornell Woolrich. La película fue dirigida por Alfred Hitchcock y contó con James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Raymond Burr y Thelma Ritter en los papeles principales.

En 1954, Grace Kelly fue galardonada con el premio a la mejor actriz del Círculo de críticos de cine de Nueva York y el premio National Board of Review. Un año más tarde ganó el premio Edgar al Mejor guión de John Michael Hayes. En 1955 fue candidata a los Óscar por Mejor director, Mejor fotografía en color, Mejor guión y Mejor sonido. Desde 1997 la película se encuentra en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada cultural, histórica o estéticamente significativa.

Curiosidad: La pareja protagonista, esta formada por James Stewart y Grace Kelly, que mientras investigan lo que ocurre, discuten sobre el futuro de su relación. Pues parece que Hitchcock se inspiró en el romance que vivieron realmente el fotógrafo Robert Capa y la actriz Ingrid Bergman para componer a esos dos personajes: un reportero gráfico amante de la aventura, el riesgo y celoso de su soltería, y una sofisticada experta en moda.

Más información:



Escena de la película La ventana indiscreta
James Stewart en una de las escenas de la película

Escena de la película La ventana indiscreta
Escena donde los protagonista están hablado sobre su relación. James Stewart (L. B. Jefferies) y Grace Kelly (Lisa Carol)

Escena de la película La ventana indiscreta
James Stewart (L. B. Jefferies) observando el edificio de enfrente con su enfermera Thelma Ritter (Stella)

Escena de Los Simpsons emulando la película La ventana indiscreta
Escena de Los Simpsons imitando la película La ventana indiscreta
Scarlett Johansson y Javier Barden emulando La ventana indiscreta para Vanity Fair
Scarlett Johansson y Javier Barden emulando La ventana indiscreta para Vanity Fair

Robert Capa e Ingrid Bergman
Robert Capa e Ingrid Bergman